66e – Artistes sélectionnés

Jenny Akerlund

Par Constance Arroyo

Jenny Åkerlund développe une pratique protéiforme qui questionne les différences et interactions entre image matérielle et perception visuelle. Nourrie d’inspirations tirées de l’art, de l’architecture, mais aussi et surtout des sciences, notamment de l’astronomie et de la cosmologie, l’artiste crée des œuvres conceptuelles qui interrogent et activent les sens. Détaillées et minutieuses, elles incitent son public à avoir une position active, oscillant entre distance et proximité afin de saisir l’œuvre dans sa globalité. Le corps du spectateur devient ainsi le déclencheur de l’expérience et permet la médiation entre artefact et appropriation sensorielle.

Jenny Åkerlund develops a protean practice which questions the differences and the interactions between material image and visual perception. Fed by inspirations pulled from art, from architecture, but also and especially sciences, in particular astronomy and cosmology, the artist creates abstract works which question and activate the senses. Detailed and meticulous, they incite his public to have an active position, oscillating between distance and closeness to seize the work in its entirety. The body of the spectator so becomes the trigger of the experience and allows the mediation between artefact and sensory appropriation.

http://www.jennyakerlund.com/

Luis Almeida

Par Constance Arroyo

Expérience physique et sensitive, le processus de création passe chez Luis Almeida par un impact, un choc des sens bouleversant. L’énergie qui en ressort, canalisée par l’artiste, se retrouvera dans la force vibrante transmise par ses dessins.

Rythmées par des traits énergiques de fusain, les compositions anarchiques de Luis Almeida oscillent entre abstraction et figuration, n’obéissant à aucune règle créatrice. Dans un processus répétitif, l’artiste couvre les feuilles de lignes et de formes, jusqu’à ne plus déceler de points d’accroche ou de vide. Les éléments du dessin se retrouvent alors tous au premier niveau de lecture dans une répartition homogène du geste. Projection énergétique et dynamique, la vibration de l’œuvre trahit celle des sens de l’artiste en plein processus de création.

Physical and sensory experience, the process of creation crosses at Luis Almeida’s by an impact, a deeply moving shock of the senses. The energy which stands out from it, channelled by the artist, will find itself in the vibrating strength passed on by its drawings.

Given rhythm by energetic lines of charcoal, the anarchy compositions of Luis Almeida oscillate between abstraction and representation, obeying no creative rule. In a repetitive process, the artist covers the sheets of lines and forms, not until reveal any more points of catcher or space. The elements of the drawing find themselves then all at the first level of reading in a homogeneous distribution of the gesture. Energy and dynamic projection, the vibration of the work betrays that of the senses of the artist in full process of creation.

Annabelle Arlie

Par Constance Arroyo

Ayant commencé à construire des « images-sculptures » sur ordinateur avec l’arrivée d’internet, Annabelle Arlie les reporte aujourd’hui en trois dimensions. Elle garde cet attachement à l’écran et à l’informatique autant dans les matériaux qu’elle utilise qu’en tant qu’inspiration. Étranges chimères issues d’associations de matériaux de récupération et d’objets de consommation, ses sculptures questionnent la société contemporaine. Entre culte des objets et objets de culte, les détournements acerbes de l’artiste composent des totems drôles et délicats, sculptures sacrées du monde actuel. Un tapis de course devient autel, des photographies vintage se font reliques, et les installations se transforment en lieux de rituels.

Having begun to build « images-sculptures » on computer with the arrival of internet, Annabelle Arlie postpone them in three dimensions today. She keeps this attachment for the screen and for the computing as much in the materials as she uses that as inspiration. Strange fancies stemming from associations of salvaged materials and from objects of consumption, her sculptures question the contemporary society. Between worship of objects and liturgical objects, the acerbic misappropriations of the artist make up funny and delicate totems, sacred sculptures of the current world. A carpet of running becomes altar, vintage photos are made relics, and the installations are transformed into places of rites.

http://annabellearlie.com/

Jeremy Ayer

Par Constance Arroyo

La série Days of Threshold de Jeremy Ayer raconte l’histoire d’un adolescent vivant en milieu rural. L’artiste y questionne le moment de transition marquant le passage à l’âge adulte grâce à la remise en scène de souvenirs d’enfance. Chaque photographie fonctionne comme un fragment d’une histoire qui oscille entre documentaire et fiction. Ces images évocatrices questionnent le spectateur sans lui donner de clefs, déclenchant un mécanisme de déchiffrage cher à l’artiste. Au fur et à mesure de la découverte de la série, le public s’approprie les ellipses narratives et prend le relais du photographe en imaginant ce que Jeremy Ayer tait.

The series Days of Threshold de Jeremy Ayer tells the story of a teenager living in rural areas. The artist questions the moment of transition there marking the passage in the adulthood grace the discount on stage with childhood memories. Every photography works as a fragment of a history which oscillates between documentary and fiction. These suggestive images question the spectator without giving to him of keys, activating a mechanism of decoding expensive to the artist. According to the discovery of the series, the public appropriates the narrative ellipses and takes over from the photographer by imagining about what Jeremy Ayer keeps silent.

http://www.jeremyayer.com/

Cloé Beaugrand

Par Laurent Atlan

Selon Cloé Beaugrand et pour satisfaire un cliché persistant, il faudrait avoir produit une oeuvre néon pour faire partie de la famille des « grands artistes ». Avec cette pièce, la jeune diplômée de l’Ecole Supérieure d’Art et de Design de Grenoble tente ironiquement de s’immiscer dans cette lignée. Voilà donc tout le mal que l’on peut lui souhaiter!

Pôle Emploi, via son formulaire B1101, se risque aujourd’hui à dresser de façon exhaustive ce que doit ou ne doit pas être un artiste selon une liste de critères précis. Toujours avec beaucoup de légèreté et de second degré, Cloé Beaugrand entraine le visiteur dans un univers décalé où les œuvres se lisent en deux temps. En flirtant avec la propriété intellectuelle, elle questionne le fonctionnement du monde de l’art, comparable à des montagnes russes, où la (re-)chute succède éternellement à l’ascension.

According to Cloé Beaugrand and to satisfy a persistent cliché, it would be necessary to have produced a work neon to be a member of the family of the « big artists ». With this room, the young graduate of the College of Art and Design of Grenoble tries ironically to interfere in this lineage. Thus here is all the evil which we can wish him!

Employment agency, via its form B1101, ventures today to raise in a exhaustive way what owes or should not be an artist according to a list of precise criteria. Always with a lot of lightness and second degree, pulled Cloé Beaugrand the visitor in a moved universe where the works are read in two phases. By flirting with the intellectual property, she questions the functioning of the world of the art, comparable to roller coasters, where the relapse succeed eternally the ascent.

cocottage.tumblr.com

Prix : Dos Mares

 

François Bianco

Par Laurent Atlan

De ses études en graphisme, François Bianco a conservé le goût de la géométrie des formes et des finitions acérées, de sa pratique de la musique, les superpositions de couches et les jeux de répétitions. Passé ensuite par les Beaux-Arts de Paris, il construit des objets à partir de ses propres archives, ses « allégories lacunaires ».

Dans ces modules de métal, qui sont comme des espaces à part du temps, il intègre une pratique multiple qui est à la fois un travail de l’ordre du dessin, du son, de la sculpture… Il taille, soude, creuse, à l’image d’un archéologue qui fouille afin de trouver la trace d’une (in-)temporalité. François Bianco fabrique des souvenirs ou des pistes, qui mènent le visiteur vers l’exploration de ses propres sens. À première vue austère, son travail se perçoit dans une subtilité des textures et un rapport du corps face à l’œuvre.

Of his studies in graphics, François Bianco kept the taste of the geometry of the forms and the sharp finishes, his practice of the music, the superimposing of coats and the games of repetitions. Taken place then by the Fine arts of Paris, he builds objects from his own archives, his  » incomplete allegories « .

In these modules of metal, which are as spaces with part of time, he integrates a multiple practice which is at the same time a work of the order of the drawing, of the sound, of the sculpture … He cuts, welds, digs, just like an archaeologist who searches to find the track of one temporality. François Bianco makes memories or tracks, which lead the visitor towards the exploration of its own senses.At first sight austere, its work perceives itself in a subtlety of textures and a report of the body in the face of work.

Damien Caccia

Par Laurent Atlan

Quand il ne recompose pas, via des logiciels de 3D, de célèbres tableaux de la Renaissance comme Les fileuses de Velasquez, Damien Caccia frotte, gratte et soustrait la matière à des plaques de verre afin de magnifier la lumière par une percée, comme dans ce paysage en triptyque. Diplômé des Beaux-Arts de Nantes en 2014, son travail de jeux avec la matière amène au traitement de thèmes précis qui se succèdent hâtivement jusqu’à l’épuisement du sujet. L’artiste expose ici un échantillon d’une œuvre prolifique, dont une nouvelle pratique à la colle, qui devient toile et support, ajoutant ainsi une dimension diaphane à l’accumulation.

When he does not recompose, via software of 3D, famous paintings of the Renaissance as Les fileuses of Velasquez, Damien Caccia rubs, guitar and shields the material from glass plates to glorify the light by a breakthrough, as in this landscape in triptych. Awarded a diploma Fine arts of Nantes in 2014, its work of games with the affable material in the treatment of precise themes which follow one another hastily until the exhaustion of the subject. The artist exposes here a sample of a prolific work, a piece of news of which has a practice in the glue, which becomes painting and support, so adding a translucent dimension to the accumulation.

damiencaccia.com/

Jennifer Campbell

Par Laurent Atlan

Jennifer Campbell nous parle de paysage, du poids de la société des images, mais aussi de sa grand-mère ou de chats. L’artiste se pose la question de l’individualité dans la culture de masse. C’est ce panorama divers qui l’intéresse : une visite d’un musée, le salon d’un ami, la plage, internet, son appartement… c’est le all-over qui l’entoure qui donne à Jennifer Campbell la matière brute de ses œuvres. Premièrement dessin dans un carnet qu’elle ne quitte jamais, la couleur s’additionne ensuite au trait du crayon, couvre le papier et devient peinture. C’est lors de cet acte que l’artiste s’approprie ce qu’elle avait préalablement cadré : la figure humaine est présente, sous-jacente lorsqu’elle est abstraite – c’est l’humain noyé dans la foule.

Jennifer Campbell speaks to us about landscape, about the weight of the company of the images, but also about his grandmother or about cats. The artist asks herself the question of the individuality in the mass culture. It is this diverse panorama which interests her: a visit of a museum, the lounge of a friend, the beach, the internet, its apartment it is the all-over which surrounds him which gives to Jennifer Campbell the raw material of its works. In the first place drawing in a pad which she never leaves, the color adds up then in the line of the pencil, covers the paper and becomes paint. It is during this act that the artist appropriates what she had beforehand centred: the human face is present, money ownerless when it is abstracted – it is the human being flooded in the crowd.

http://www.jennifercarolinecampbell.co.uk/

Marie Clerel

Par Anna Battiston

Au sein d’une « société de l’image » telle qu’est notre société contemporaine, la recherche artistique de Marie Clerel interroge la phénoménologie de l’image. Son travail prend sa source à partir des situations où l’expérience visuelle est mise en jeu : espaces d’expositions, galeries, zoos, parcs botaniques, musées. A travers la pratique de la photographie et de la vidéo, l’artiste re-cadre le hors champ, l‘image infra-ordinaire, le détail qui semble insignifiant. Les moments de latence dans le processus d’observation deviennent les sujets principaux de l’œuvre, au sein de laquelle le spectateur joue le rôle principal. Cette action de réinterprétation permet de reprendre conscience de notre regard et de notre propre rapport avec l’image visuelle.

Within a « company of the image » such as is our contemporary company, the artistic search for Marie Clerel questions the phenomenology of the image. Her work rises from the situations where the visual experience is involvement: spaces of exhibitions, galleries, zoos, botanical parks, museums. Through the practice of the photography and the video, the artist refocuses the off-camera, the infra-ordinary image, the detail which seems insignificant. The moments of latency in the process of observation become the main subjects of the work, within which the spectator plays the leading part. This action of réinterprétation allows to resume consciousness of our look and our own report with the visual image.

http://cargocollective.com/marieclerel/

Marie-Johanna Cornut

Par Anna Battiston

La pratique de Marie-Johanna Cornut trouve son origine dans le dessin pour ensuite se développer en sculpture, installation ou performance. Les questions architecturales et performatives sont au centre de son travail. Ses installations se caractérisent par des constructions spatiales hors du temps, elles sont les traces d’un événement qui s’est accompli et dont témoignent des « objets-images”. Le travail de Marie-Johanna Cornut peut être caractérisé par une certaine attitude ironique et une volonté de parodier les dispositifs festifs, leurs préparations et leurs réalisations. Que reste-t-il après leurs activations ? Un univers absurde de formes abstraites, qui se construisent par répétitions géométriques et modulaires. Les objets, qui ont désormais perdu leurs fonctions, deviennent les instruments de narrations théâtrales en suspens.

Marie-Johanna Cornut’s practice finds its origin in the drawing to develop then in sculpture, installation or performance. The architectural and performative questions are in the center of her work. His installations are characterized by timeless space constructions, they are the tracks of an event which came true and of whom show « objects-images ».
The work of Marie-Johanna Cornut can be characterized by a certain ironic attitude and a will to parody the festive devices, their preparations and their realizations. What does it remain after their activations? An absurd universe of abstract forms, which build themselves by geometrical and modular repetitions. Objects, which lost from now on their functions, become instruments of unsettled theatrical stories.

www.marie-johannacornut.com

Julie Chaffort

Par Anna Battiston

Julie Chaffort s’intéresse tout particulièrement à l’immensité et la vacuité des territoires. Ses films et vidéos sont tournés dans des décors extérieurs « naturels » (champs, forêt, plaine, désert, etc.), lieux qui ne donnent aucune indication de temporalité, ni d’ancrage géographique. L’espace raconte autant que les corps des personnages qu’elle met en scène. La pensée chorégraphique de l’artiste amène à ses réflexions autour de l’endurance, du temps (durée) et de la performance physique. Surréaliste, burlesque, étrange et parfois dérangeant, son travail comprend également une dimension plastique avec des installations et performances. Sa démarche pourrait se définir comme une réflexion sur la fiction, sur les possibilités infinies du cinéma quant à jouer librement des composants narratifs et des temporalités.

Julie Chaffort is quite particularly interested in the unlimitedness and the vacuity of territories. Her movies and videos are turned in outer decorations « natures » (fields, forest, plain, desert, etc.), places which give no indication of temporality, or geographical anchoring. The space tells so much that the bodies of the characters which she stages. The choreographic thought of the artist brings to its reflections around the endurance, of time and of the physical performance. Surrealist, comic, strange and sometimes disturbing, her work also includes a plastic dimension with installations and performances. Her approach could define itself as a reflection on the fiction, on the infinite possibilities of the cinema as if to playing freely narrative components and temporality.

Prix : Pavillon Pantin

 

Laurent Da Sylva

Par Lauriane Vigouroux

Laurent Da sylva produit une œuvre contemplative, nous livrant ses observations muettes du temps et de la lumière. Son travail se base sur des relevés météorologiques propres au rayonnement solaire, qu’il traduit plastiquement via des protocoles graphiques en des variations de matière minutieusement mesurées. Jouant de niveaux de représentation, de différentes échelles et de différents plans, ces accumulations de substances lumineuses créent des paysages abstraits terriblement énigmatiques. Sa posture, romantique – entendu comme le contemplateur de la nature – se voit transposée à l’ère contemporaine en une course avec les matériaux qu’il s’est donné pour tâche de maîtriser. D’ailleurs, l’artiste aime à inscrire sa pratique dans son atelier, véritable observatoire du temps ayant lui même sa propre temporalité : le work in progress.

Alix Desaubliaux

Par Renata Bellanova

Quelles relations tissons-nous avec les surfaces d’accès à internet, et plus généralement avec celui-ci ? Quelle confiance plaçons-nous en un pan de réalité qui semble parfois très éloigné du monde matériel ? Le travail numérique d’Alix Desaubliaux explore ces questions en s’intéressant aux problématiques soulevées par les nouveaux médias, et leurs conséquences sur nos comportements. À travers une oeuvre en forme de jeu de plateau, elle pousse le spectateur à éprouver les 4 entre humain et virtuel. En faisant appel aux environnements immersifs des jeux vidéos et aux nouvelles syntaxes développées pour internet, elle suggère la perception d’une réalité nouvelle.

What relations do we weave with the surfaces of access to internet, and more generally with this one? What confidence do we place in a piece of reality which seems sometimes very distant from the material world? The digital work of Alix Desaubliaux explores these questions by being interested in problems lifted by the new media, and their consequences on our behavior. Through a work in the shape of board game, she urges the spectator to feel fourth enter human and virtual. By appealing to the environments immersifs video games and in the new syntaxes developed for internet, she suggests the perception of a new reality.

http://alixdesaubliaux.fr/

Alice Didier Champagne

Par Anaïs Lerendu

Quittons un instant l’espace de la galerie et laissons-nous dériver vers d’autres lieux. Dans un positionnement d’« artiste-touriste », Alice Didier Champagne nous invite à explorer des paysages inconnus, fantasmés ou utopiques. Jouant sur la frontière entre fiction et réalité, elle nous plonge dans un univers où poésie et humour côtoient des questions culturelles, géopolitiques ou sociales. L’île, figure de cet ensemble, apparaît sous différentes formes. Séduisante, elle appelle à la projection, à l’évasion. Mais derrière cet esthétisme apparent, ce paysage insulaire interroge des situations ambivalentes où se tissent des tensions entre territoires et identités, entre histoire et problématiques contemporaines.

Let’s for a moment leave the gallery space and drift towards other spaces. Positioning herself as “artist-tourist”, Alice Didier Champagne invites us to explore unknown dreamlike or utopian landscapes. Playing with the line between fiction and reality, she plunges us into a universe where poetry and humor brush up against cultural, geopolitical or social issues. The island appears in different forms in her work. It seduces us, projects us, we seek to escape there. However, behind the superficial aesthetics of the image, this insular landscape adresses ambivilant situations, where tensions between territory and identity weave themselves into history and contemporary issues.

http://alicedidierchampagne.com/

Paul Duncombe

Par Renata Bellanova

Avec ses photographies Paul Duncombe fait revivre la mémoire de deux actes artistiques réalisés pendant sa résidence au Centre d’Artistes Est-Nord-Est du Québec. Le cours des choses est la trace d’un mouvement qui est arrivé sans être directement “enregistré” par l’œil humain et la manifestation d’un acte qui a contribué à la mutation, quoique sobre, d’un coin de forêt. Grâce à son geste, l’artiste nous fait partager l’intimité d’un paysage à travers la réflexion sur l’interaction entre être humain et nature. À partir de l’observation de processus de transformation habituellement imperceptible, il explicite la notion de territoire comme appropriation poétique et mentale d’un lieu.

With his photos Paul Duncombe makes relive the memory of two artistic acts realized during his residence in the center of East-north-east Artists of Quebec. The course of events is the track of a movement which arrived without being directly « registered » by the human eye and the demonstration of an act which contributed to the transfer, although sober, of a corner of forest.
Thanks to his gesture, the artist shares with us the intimacy of a landscape through the reflection on the interaction enter human and natural being. From the observation of usually imperceptible transformation process, he clarifies the notion of territory as poetic and mental appropriation of a place.

http://www.paulduncombe.com/

Émilie Duserre

Par Renata Bellanova

À la manière d’une roche sédimentaire, l’installation Soak raconte une histoire faite de stratifications et d’empreintes. Point de départ du travail d’Émilie Duserre, des morceaux de plâtre blanc qu’elle casse ou découpe, avant de les tremper dans des bains d’encre de chine et les disposer selon une logique liée à l’architecture de la ruine. Restes ou fondations d’une construction future, les pièces présentées suivent un processus aléatoire et calculé à la fois. Certaines figures de Soak trouvent écho dans Tracé, série de dessins sur papier au feutre à alcool. La tension avec l’installation vient en redoubler l’impératif de géométrie organique et d’accumulation de strates. Un geste contrôlé, mais jamais prévisible, qui suit un discours précis autour de la trace et de la fondation.

In the style of a sedimentary rock, the installation Soak tells a story made by stratifications and by imprints. Starting point of the work of Émile Duserre, pieces of white plaster which she(it) breaks or cuts, before dipping them into baths of India ink and arranging them according to a logic bound to the architecture of the ruin. Rests or foundations of the future construction, the presented rooms follow a process random and calculated at the same time. Certain faces of Soak find echo in Tracé, series of drawings on paper in the alcoholic felt-tip. The tension with the installation comes to double the imperative it of organic geometry and accumulation of strata. A checked, but ever predictable gesture, which follows a precise speech around the track and around the foundation.

Prix : Art [] Collector et Galerie du Haut-Pavé

 

Ron Erlih

Par Alizée Brimont

Le travail de Ron Erlih explore l’univers digital, les moyens de communications modernes et les problématiques qui en découlent. Le monde numérique était, il y a quelques années encore, une découverte. C’est aujourd’hui un territoire connu, marqué, dominé. L’installation free_wifi explore ce moment qui précède la paralysie d’internet. En se connectant au hotspot grâce à leur téléphone, les spectateurs découvrent la possibilité de créer un espace commun. Ils sont plongés ensemble dans un lieu au sein duquel ils peuvent laisser libre cours à leur imagination. Les oeuvres de Ron Erlih questionnent les relations humaines contemporaines et notre propre identité au sein d’une société où jamais le privé n’a été si public, et où se trouver face à face peut tendre à devenir une exception.

The work of Ron Erlih explores the digital universe, the modern means of communication and the problems which ensue from it. The digital world was, a few years ago still, a discovery. It is a known, marked, dominated territory today. The installation free_wifi explores this moment which precedes the paralysis of internet. By connecting in the hotspot thanks to their telephone, the spectators discover the possibility of creating a common space. They are together plunged into a place within which they can give free rein to their imagination. Ron Erlih’s works question the contemporary human relations and our own identity within a company where never the private was so public, and where be face to face can tend to become an exception.

Quentin Euverte

Par Alizée Brimont

Comme un kamikaze dans une Maserati à 220 km/h file de gauche côté obscur. Comme Terminator, comme Schwarzenegger, on arrive à poil du futur. Car si même les fossoyeurs doivent payer le loyer, à 19 ans nos pensées étaient déjà âgées. Sexuelles comme un châssis de BMW démonté par les douaniers, érotique comme un frigo à viande : c’est dans la lycanthropie bling-bling que le caméléon est schizophrène, alors les morts gouvernent bien les vivants. Qui pourrait anticiper sur les conséquences hasardeuses de la rencontre à grande vitesse de Ballard et Benjamin s’ils n’existaient que pour alimenter le cyclotron d’Hollywood ? L’année du T-1000 comme date de naissance, et à ce titre nous sommes fait du même alliage de métal liquide. Les œuvres possèdent alors une tension dialectique –et comme un phrasé–qui les empêchent de prendre la pose.

Feat. Le Hip hop et Patrice Blouin

As a kamikaze in Maserati in 220 kph spins of left dark side. As Terminator, as Schwarzenegger, we arrive nakedly of future. Because so even the gravediggers have to pay the rent, in 19 years our thoughts were already old. Sexual as a frame of BMW defused by the customs officers, erotic as a refrigerator with meat: it is in the bling-bling lycanthropy that the chameleon is schizophrenic, then the deaths govern well the alive. Who could anticipate the risky consequences of the high-speed meeting of Ballard and Benjamin if they existed only to feed the cyclotron of Hollywood? The year of T-1000 as date of birth, and as such we are made by the same alloy of molten metal. The works possess then a dialectical tension – and as a phrasing – which prevent them from striking the pose.

Feat. Le Hip hop and Patrice Blouin

Prix : Lieu-Commun et Lieux-Communs

 

Eunice VSG

Par Alizée Brimont

Fondé en 2014, le collectif Eunice VSG travaille autour des liens existant entre l’art, la science et les technologies. Leurs oeuvres questionnent l’émergence de l’identité dans les environnements numériques et la proximité, l’intimité, que peuvent permettre aujourd’hui les nouvelles technologies. DualCorps est un projet expérimental à la croisée de l’art numérique, de la performance et de la recherche-action, basé sur une immersion intensive dans un monde simulé en 3D temps réel. Ce projet comprend un système de cryptage symbolique permettant de retranscrire un échange entre deux personnes en un langage sonore et émotionnel, une forme de cryptophasie directement inspirée du roman Les Météores de Michel Tournier : Le chiffre éolien.

Founded in 2014, the collective Eunice VSG works around the links existing between the art, the science and the technologies. Their works question the emergence of the identity in the digital environments and the closeness, the intimacy, that the new technologies can allow today. DualCorps is an experimental project between the digital art, between the performance and between the search-action, based on an intensive dumping in a world feigned in real-time 3D. This project includes a system of symbolic encryption allowing to retranscribe an exchange between two people in a sound and emotional language, a shape of cryptophasie directly inspired by the novel Michel Tournier’s meteors: the wind figure.

Arthur Flechard

Par Mathilde Camoin

Qui mieux que nos robots ménagers peuvent définir l’asservissement et la fidélité? À une époque où l’objet devient humain et l’humain devient machine, Arthur Flechard retranscrit notre quotidien à travers un langage décodé.

Par la fabrication et le détournement de textes, de vidéos, d’images et d’objets, il définit de nouveaux espaces où des dispositifs technologiques sommaires trouvent une dimension intelligible. Parfois absurdes, ces situations peuvent se voir comme de multiples dégradations d’un monde matériel qui prend son essence dans les préceptes de la mécanologie et dans la série B de science-fiction.

Which better than our food processors can define the subjection and loyalty? At a time when the object becomes human and the human being becomes machine, Arthur Flechard retranscribes our everyday life through a decoded language. By the manufacturing and the diversion of texts, videos, images and objects, he defines new spaces where summary technological devices find an understandable dimension. Sometimes absurd, these situations can see itself as of multiple damages of a material world which takes its gasoline in the rules of the mécanologie and in the B-movie of science fiction.

https://vimeo.com/user5887878

Prix : Fugitif

 

Fleuryfontaine

 

Par Mathilde Camoin

A l’heure du big data et des superstructures informationnelles, Fleuryfontaine aborde les flux de données et les échanges effrénés qu’ils génèrent comme matière et terrain d’expérimentation. Composantes essentielles de notre quotidien, les technologies de l’information et de la communication sont au coeur des recherches du duo d’artistes. S’attachant aux relations que l’homme entretient avec son environnement, Galdric Fleury et Antoine Fontaine questionnent l’histoire des techniques de la mémoire pour faire apparaitre les logiques qui les traversent et les relient les unes aux autres. Imbriquant espace réel et digital, leurs installations et performances entrainent les visiteurs à s’interroger sur l’intime, le travail, la classification et la guerre.

At the time of the big dated and informative superstructures, Fleuryfontaine approaches the flows of data and the wild exchanges which they generate as material and ground of experiment. Essential components of our everyday life, the technologies of information and the communication are at the heart of the searches for the duet of artists. Becoming attached to the relations which the man maintains with his environment, Galdric Fleury and Antoine Fontaine question the history of the techniques of the memory to reveal the logics which cross them and connect them the some to the others. Imbricating real and digital space, their installations and performances entrainent the visitors to wonder about the close friend, the work, the classification and the war.

Bastien Gachet

Par Mathilde Camoin

Et si le temps d’un instant nous pensions à écouter les objets ? Bastien Gachet croit en l’immanence des objets et consacre sa pratique artistique à témoigner de leurs discours. Il s’attache à ranimer leurs âmes à travers des installations qu’il créé ou qu’il réinvesti : une porte qui pleure, un tout petit poêle qui chauffe au soleil… En leur accordant une attention et une écoute presque amoureuse, il inverse le processus de production des objets : l’expression de leurs identités singulières ne vient plus de l’observateur mais bien d’eux-mêmes.

And if the time of a moment we thought of listening to objects? Bastien Gachet believes in the immanence of objects and dedicates his artistic practice to be showed of their speeches. He attempts to refresh their souls through installations that he created or that he reinvested: a door which cries, a quite small stove which warms in the sun … By giving them an attention and an almost loving listening, he inverts the process of production of objects: the expression of their singular identities comes no more observer but many of themselves.

Juliette Goiffon & Charles Beauté

Par Pietro Della Guistina

Juliette Goiffon & Charles Beauté sont des explorateurs du monde contemporain. Ils aiment à définir leurs œuvres comme des « tentatives », des expérimentations de situations étrangères à la réalité. Ils cherchent à capturer et fixer des moments, conscients de la nature absurde de leurs actions. Les œuvres incluent un certain degré d’instabilité, et sont souvent amenées à changer de forme et de présentation lors du temps de l’exposition. Dans leur pratique, les artistes utilisent régulièrement des outils numériques à contre-pied afin de tester les limites de la technologie. Pour cette installation, ils questionnent la notion de « travailleur du futur » dans un bureau fictionnel. Un scénario est mis en place dans l’espace d’exposition, brouillant les liens entre créativité, production et performance.

Juliette Goiffon and Charles Beauté are explorers of the contemporary world. They like defining their works as « attempts », experiments of situations foreign to the reality. They try to capture and to fix moments, aware of the absurd nature of their actions. The works include certain degree of instability, and are often brought to change form and presentation during the time of the exhibition. In their practice, the artists use regularly digital tools with opposite to test the limits of the technology. For this installation, they question the notion of « worker of the future » in a fictional office. A scenario is set up in the space of exhibition, blurring the links between creativity, production and performance.

www.juliettegoiffon-charlesbeaute.com

Louis Granet

Par Pietro Della Giustina

Louis Granet fonde sa pratique artistique sur les liens entre bande dessinée et peinture. L’artiste développe les techniques et les codes appris des « comics » pour les appliquer sur plusieurs supports. Signes, lignes et formes représentent le point de départ de sa recherche esthétique. La réappropriation d’images et leur superposition tendent à désorienter le public : le spectateur est confronté à la fois à des formes abstraites ainsi qu’à des images figuratives et physiques. Néanmoins, la recherche picturale de Louis Granet, brouillée et partialement explicite, laisse une place importante à l’imagination de l’observateur. Les diverses formes et matériaux employés, ainsi que les différentes perspectives, créent sur la surface des tableaux des compositions en plusieurs strates qui suggèrent des clés de lecture multiples.

Louis Granet bases his artistic practice on the links between comic strip and paint. The artist develops techniques and codes learnt by « comics » to apply them to several supports. Signs, lines and forms represent the starting point of its esthetic search. The reappropriation of images and their superimposing tend to disorientate the public: the spectator is confronted at the same time with abstract forms as well as with representational and physical images. Nevertheless, the pictorial search for Louis Granet, blurred and one-sidedly explicit, leaves a place important for the imagination of the observer. The diverse forms and used materials, as well as the various perspectives, create on the surface of the paintings of the compositions in several strata which suggest multiple keys for reading.

www.louisgranet.net

Lola Hakimian

Par Élise Fourché

En saisissant des instants épars, Lola Hakimian déploie une écriture sensible à la fois personnelle et énigmatique. La pudeur de son regard, sur les espaces intimes qu’elle photographie, ouvre des fenêtres sur des ailleurs possibles et nous laisse la liberté de transposer notre affect sur ses images. La part cachée devient alors un pont vers des histoires secrètes et multiples. Pas un souffle de vent tangue subtilement entre réalisme et fantasmagorie. Cette série nous plonge dans une nuit vaporeuse ponctuée d’apparitions et d’évaporations, tandis que l’œil se focalise sur des détails ou se laisse surprendre par le surgissement d’un phénomène. Au fil des photographies, on avance, des portes s’ouvrent, on découvre ou on suppose.

By seizing scattered moments, Lola Hakimian spreads an at the same time personal and enigmatic sensitive writing. The modesty of its look, on the intimate spaces which she photographs, opens windows on one somewhere else possible and lets us the freedom transpose our affect on her images. The hidden part becomes then a bridge towards secret and multiple stories. No breath of air rocks subtly between realism and phantasmagoria. This series plunges us in a vaporous night punctuated with appearances and with evaporations, whereas the eye focuses on details or is allowed be a surprise by the appearance of a phenomenon. In the course of photos, we move forward, doors open, we discover or we suppose.

Yukari Hara

Par Élise Fourché

En commettant des actions improbables, Yukari Hara active des phénomènes qui auraient pu rester de l’ordre du quotidien et de l’invisible. Son travail prend comme point de départ un désir ingénu, qu’elle conscientise et met à l’épreuve du réel par des gestes élémentaires : regarder, lancer, ouvrir, laisser fermé. Emprunte de fraîcheur et de spontanéité, l’oeuvre se décline sous des formes diverses et variées. Artiste et exploratrice du champ des possibles, elle sonde la part mystérieuse des choses, ouvre de nouveaux territoires d’expériences et invite les spectateurs à l’y rejoindre. Sans jamais rompre le charme des mystères, elle s’en rapproche et les révèle.

By committing improbable actions, Yukari Hara activates phenomena which would have been able to stay of the order of the everyday life and of the invisible. Her work takes as starting point an unsuspicious desire, that she raises awareness and puts to the test some reality by elementary gestures: look, throw, open, leave closed. Borrow of freshness and spontaneity, the work comes under diverse and varied forms. Artist and explorer of the range of possibilities, her sounds the mysterious part of things, opens new territories of experiences and invites the spectators to join her there. Without ever breaking the spell mysteries, she gets closer to it and reveals them.

Joris Henne

Par Élise Fourché

CIMA GRANDE est un projet dont la démarche s’inscrit dans le réel, puisqu’elle prend pour matière première une expédition en montagne que l’artiste documente par un travail photo et vidéo. Au sommet de Tre Cime di Lavaredo, il livre une sculpture à l’hiver et la récupère au printemps, laissant la nature achever son œuvre.

Celle-ci prend la forme d’une bête, entre le monstre et la divinité, dont le caractère ancestral inspire la fascination. De cette manière, le récit de voyage s’ouvre subtilement à d’autres niveaux de lectures sensibles en interrogeant notamment la relation entre art et nature. A travers ce procédé mêlant exécution, contrainte et imprévu, il propose une métaphore vivante de la création artistique. La question de l’action de l’environnement sur l’œuvre est fondamentale dans le travail Joris Henne ; une démarche qu’il prolonge dors et déjà en collaboration avec Natasha Lacroix dans un projet qui verra le jour prochainement.

CIMA GRANDE’s approach is truly grounded in reality, based on photographic and video documents assembled by the artist on a mountaineering expedition. After placing a sculpture on the peak of Tre Cime di Lavaredo in winter, he then went to retrieve it in the spring, allowing for a natural degradation over time. The sculpture represents a creature, somewhere between a monster and a deity whose ancestral nature inspires fascination. The travel story opens up new, sensitive narrations by exploring the relationship between art and nature. By mixing elements of performance, restriction and unpredictability, his work becomes a living metaphor for artistic creation. The question of environment’s effect on art is a fundamental part of Joris Henne’s work, and one he whishes to pursue in his upcoming collaboration with Natacha Lacroix.

 

ÎLE/ MER/ FROID

Par Yasmina Hatem

Protéiformes, expérimentales et effrénées, les constructions d’ÎLE/MER/FROID résistent à toute définition hâtive. Elles émergent de la rencontre entre trois individus : Antony Lille, Hugo Lemaire et Boris Geoffroy. Rugosité des formes, matérialité abrupte, sauvage et naturelle sont les termes de leur grammaire plastique et le point de départ de leurs procédures de travail. Pourtant une part d’inconnu et de hasard productif surgit parfois des interstices d’un programme rigoureusement déterminé, venant contrarier une pratique de gestes et d’actions sur la matière.

Situées quelque part entre la ruine moderniste et les restes d’un rituel syncrétique, les œuvres d’ÎLE/MER/FROID apparaissent comme l’expression formelle de leur processus constitutif.

The protean, experimental and wild nature of ÎLE / MER / FROID’s creations make them impossible to pigeonhole. They are the result of the encounter between three individuals: Antony Lille, Hugo Lemaire and Boris Geoffroy. Roughness of the forms, the abrupt, wild and natural materiality are the terms of their plastic grammar and the starting point of their working procedures. Nevertheless a part of unknown and productive fate sometimes appears from chinks of a program strictly determined, coming to annoy a practice of gestures and actions on the material. Situated somewhere between the modernist ruin and the rests of a syncretic rite, the works of ÎLE / MER / FROID appear as the formal expression of their constituent process.

Prix : Lieu-Commun

 

Quentin Lefranc

Par Yasmina Hatem

Quentin Lefranc arpente l’histoire visuelle et culturelle considérée comme une étendue à réinvestir, à re-présenter. Par citations, engageant ainsi un contexte social, culturel et historique, il élabore un vocabulaire formel qui dépasse les dualités abstraction/figuration. Analyser, réorganiser, construire sont les étapes d’un processus qui lui permet d’observer les modalités de constitution des formes. Ses compositions rigoureuses, mais à l’équilibre précaire, comme en puissance, renouvellent l’appréhension et la pratique de l’espace pictural.

Son œuvre Fragment, libre jeu entre représentation et objet réel, avec en toile de fond une réflexion sur la perspective dans la peinture hollandaise, opère un glissement subtil de la structure de l’image à celle du tableau.

Quentin Lefranc measures the visual and cultural history considered as an area to be reinvested, to be represented. By quotations, so committing a social, cultural and historic context, he develops a formal vocabulary which exceeds the dualities abstraction / representation. To analyze, to reorganize, to to build are the stages of a process which allows him to observe the modalities of constitution of the forms. His rigorous compositions, but in the precarious balance, as in power, renew the apprehension and the practice of the pictorial space. His work Fragment, free play between representation and real object, with in the background a reflection on the prospect in the Dutch paint, operates a subtle sliding of the structure of the image to that of the picture.

Prix : Le Palais des Paris

 

Romain Löser

Par Romain Löser

Jusqu’à quel point peut-on élargir les paramètres de production d’images sans perdre le lien avec le discours sur la peinture? Y a-t-il un rapport entre l’arrangement de boîtes euro-normées sur des palettes et les règles de composition picturale? Les « projets pour l’affirmation du nouveau » (Proun) de El Lissitzky sont-ils une utopie moderniste ou un hybride entre art et architecture encore capable de nourrir des réflexions contemporaines? Et quel rapport y a-t-il entre des systèmes de proportions économiques et esthétiques?

Ce sont ces questions qui me préoccupent dans ce dispositif. Formellement les aquarelles sont développées à partir de boîtes euro-normées, des boîtes qui acheminent une grande partie des produits que nous consommons. Les emblèmes sur les drapeaux sont les contours de cartons de présentation euro-normés dépliés.

To what extent we can widen the parameters of production of images without losing the link with the speech on the paint? Is there a report between the arrangement of Euro-standardized boxes on pallets and the rules of pictorial composition? The  » projects for the assertion of the new  » (Proun) of El Lissitzky are they a modernist utopia or a hybrid between art and architecture still capable of feeding contemporary reflections? And what report is there between systems of economic and esthetic proportions? It is these questions which worry me in this device. Formally watercolors are developed from standardized Euro-boxes, the very same bowes that carry many of the products we consume. The emblems on the flags are the outlines of unfolded display cartons. 

www.romainloeser.net

Rémy Louchart

Par Yasmina Hatem

À rebours des considérations du groupe Fluxus, Rémy Louchart envisage l’art et la vie « dans un rapport d’inclusion unidirectionnel », où seule l’assertion « l’art est un objet de la vie » est vraie. Ainsi, les déplacements qu’il opère visent toujours à tirer l’art vers le quotidien. Ces translations mettent en jeu des processus d’enquêtes qui lui permettent de repenser le monde qui l’entoure.

Au travers de références à l’histoire de la peinture, il interroge les conditions de production des formes et du discours. Prenant acte de l’autorité de la lecture sur la perception, de la chose écrite sur la chose vue, il abandonne (momentanément) la peinture pour la vidéo où l’oralité et la manière de porter le discours tiennent une place prépondérante.

Against the considerations of the group Fluxus, Rémy Louchart envisages the art and the life  » in an unidirectional report of inclusion « , where only the assertion  » the art is an object of the life  » is the true. So, the travels which he operates always aim at pulling the art towards the everyday life. These translations involve processes of inquiries which allow him to rethink the world which surrounds him. Through references to the history of the paint, he questions the conditions of production of the forms and the speech. Noting the authority of the reading on the perception, the thing written on the seen thing, he abandons (for a moment) painting for video where the oral character and the way of carrying the speech hold a dominating place.

http://veze.monsite-orange.fr/

 

Lou Masduraud

Par Margaux Honneger

A travers ses performances, Lou Masduraud teste les possibilités et les limites du son, lequel évolue en fonction des mouvements de l’artiste et de son contact à des objets sensibles aux vibrations. Une relation de dépendance s’instaure alors entre le corps et  l’objet, le son et l’espace, le mouvement et le son. L’implication des corps (humains, sculpturaux) dans le dispositif dote cette expérience d’un caractère sensuel.

Muscles or Wires est constituée de trois sculptures/enceintes à l’allure de figures prospectives –  croisement entre cyborg, robot, Frankenstein – qui émettent simultanément des sons synthétiques/électroniques. Le spectateur fait à son tour l’expérience sonore et sensorielle de ces présences électriques étrangères, représentatives de l’angoisse collective générée par la technologie et le posthumanisme.

Through his performances, Lou Masduraud tests the possibilities and the limits of the sound, which evolves according to the movements of the artist and her contact in objects sensitive to the vibrations. A relation of dependence is then established between the body and the object, the sound and the space, the movement and the sound. The implication of bodies (human, sculptural) in the device endows this experience of a sensual character.

Muscles or Wires is constituted by three sculptures / surrounding walls in the speed of forward-looking faces – crossing between cyborg, robot, Frankenstein – which emit simultaneously synthetic / electronic sounds. The spectator makes in his/her turn the sound and sensory experience of these foreign, representative electric presences of the collective anxiety generated by the technology and the posthumanisme.

www.loumasduraud.com

 

Gregory Mc Grew

Par Élise Fourché

Gregory Mc Grew construit des espaces fictifs en jouant sur leurs perspectives par des effets de superpositions et de jeux d’échelles. Ses œuvres hybrides mêlent collages vidéo, 3D et installations, fragmentant la perception visuelle. Elles invitent à des explorations mystiques, métaphysiques et digitales. En troublant nos repères spatio­temporels, il nous propose d’explorer des environnements figurant l’envers du monde.

Avec le collectif PEZCORP, il intervenait en octobre dernier au Grand Palais à l’occasion de la Nuit Blanche à Paris. Leur projet Perdre la tête au pays des selfies questionnait la représentation de l’ego. L’installation transmedia, imaginée par Gregory Mc Grew, invitait les visiteurs à se plonger dans une partie d’échec mentale. Cette proposition, il la reprend et la réinvente à l’occasion de Jeune Création 2015.

Gregory Mc Grew builds fictitious spaces by playing on their perspectives by effects of superimposing and games of scales. His hybrid works mix video, 3D collages and installations, splitting up the visual perception. They invite in mystic, metaphysical and digital explorations. By disturbing our spatiotemporal marks, he suggests us exploring representing environments to the world.

With the collective PEZCORP, he intervened last October in the Grand Palais on the occasion of the Sleepless night in Paris. Their project Perdre la tête au pays des selfies questioned the representation of the ego. The installation transmedia, imagined by Gregory Mc Grew, invited the visitors to plunge into a mental game of chess. This proposal, he resumes her and reinvents her on the occasion of Jeune Création 2015.

http://gregorymcgrew.com/

 

Romain Métivier

Par Margaux Honnegger

Des objets se trouvent devant vous. Vous les observez d’abord – longuement : quels sont-ils? À quoi servent­-ils ? D’où proviennent­-ils ? Quel âge ont­-ils ? Peu à peu, l’imagination succède à l’observation : vous créez une histoire, vous façonnez un monde.

La participation du spectateur est inhérente au travail de Romain Métivier. En lui proposant des objets à l’air familier, bien que sans définition, ni fonctions précises, l’artiste invite le regardeur à réfléchir à quelle pourrait être leurs origines et leurs destinations. Ces objets abandonnés posent donc la question du rapport au temps, voire de l’ère – certains se sont même retrouvés fossilisés. Or, leur ancienneté apparente est biaisée par l’utilisation de matériaux de décors. Il s’agit ainsi de créer une fiction, un univers à fantasmer.

Objects are in front of you. You observe them at first – for a long time: what are they? To what are of use – They? Where from result – They? How old are – they? Little by little, the imagination succeeds the observation: you create a history, you shape a world.

The participation of the spectator is inherent to the work of Romain Métivier. By proposing him objects in the familiar air, although without definition, nor precise functions, the artist invites the regardeur to think about what could be their origins and their destinations. These abandoned objects thus raise the question of the report in time, even the era – some even found themselves fossilized. Yet, their visible age is biased by the use of materials of decorations. It is so a question of creating a fiction, a universe to fantasize.

www.romain-metivier.net

Jean-Baptiste Mognetti

Par Clara Labrousse

Le travail de Jean Baptiste Mognetti est de nature instable, mouvante, il oscille entre les formes et les médiums, échappant ainsi aux classifications. Mêlant peinture, dessins, textes, impressions, sons ou sculptures, ces installations poussent à une gymnastique de l’esprit singulière. Le geste rencontre ici l’espace, un dessin est vécu comme une sculpture, un objet ressentit comme un tableau au sol. Le mot anabase et son champ sémantique évoque ce trouble et cette errance parmi les formes. Suscité par une lecture de Xénophon le mot hante l’artiste qui le transforme en texte puis le matérialise. Composé d’objets glanés en chemin auxquels s’ajoutent dessins, croquis et impressions préparatoires, l’espace propose une déambulation à travers ces troublantes nimbes.

The work of Jean Baptiste Mognetti is of unstable, unstable nature, it oscillates between the forms and the mediums, so escaping classifications. Mixing paintings, drawings, texts, impressions, sounds or sculptures, these installations grow to a singular mental gymnastics. The gesture meets here the space, a drawing is lived as a sculpture, an object felt as a picture on the ground. The word anabase and its semantic field evokes this disorder and this wandering among the forms. Aroused by a reading of Xénophon the word haunts the artist who transforms him into text then realizes him. Compound of objects gleaned along the way to which are added drawings, sketches and preparatory printings, the space proposes a wandering through these disturbing halo.

 

Martin Monchicourt

Par Clara Labrousse

Les sculptures et installations de Martin Monchicourt en apparences fonctionnelles et praticables, nous mettent face à une série d’impossibilités. Pour ce nouveau projet, l’installation suggère une coupe de deux maisons mitoyennes à échelle 1. Nous nous retrouvons devant un objet qui se refuse, se dérobe, attisant ainsi notre frustration.

Mobilier urbain ou domestique, les propositions de l’artiste relèvent du familier. Pourtant, la réalisation est absurde et ces formes sont inhabitables, insoutenables. Ces pièces, sorties a priori de rassurantes manufactures standardisées, rencontrent ici un artisan libertaire et déséquilibriste jouant avec nos réflexes de projection.

Sculptures and Martin Monchicourt’s installations in functional and feasible appearances, put us in front of a series of impossibilities. For this new project, the installation suggests a cup of two party wall houses to scale 1. We find ourselves in front of an object which refuses itself, shies away, so instigating our frustration.

Street or domestic furniture, the proposals of the artist are of the regular visitor. Nevertheless, the realization is absurd and these forms are uninhabitable, unbearable. These pieces, issued normally from comforting standardized manufacturing, encounter here a free spirited and destabilizing craftsman who plays with our projections. 

WWW.MARTINMONCHICOURT.COM

 

Nathalie Novain

Par Clara Labrousse

Discret et minutieux, le travail de Nathalie Novain interroge la face cachée des minéraux. Sculpteuse fascinée par le monde intérieur de la matière, sa résistance et ses mouvements dans l’espace, l’artiste expose le résultat de ses recherches et investigations plastiques. Ayant échangé avec des chercheurs du CNES (Centre National d’Études Spatiales) et des géologues, l’artiste transforme des données en formes abstraites. Poétique du cheminement et de la stratification, le projet Horizons intermédiaires nous perd dans ces modules énigmatiques et résiste à notre volonté d’y reconstituer un paysage. Dans cet univers méthodiquement accidenté, montagnes, glaciers, falaises, ciels et terres se confondent et se perdent sous la main attentive de l’artiste.

Discreet and meticulous, the work of Nathalie Novain questions the hidden side of minerals. Sculptor fascinated by the internal world of the material, her resistance and her movements in the space, the artist exposes the result of her researches and plastic investigations. Having exchanged with researchers of the CNES (National centre for space research) and geologists, the artist transforms data into abstract forms. Poetics of the progress and the stratification, the project intermediate Horizons loses us in these enigmatic modules and resists our will to reconstitute a landscape there. In this universe methodically uneven, mountains, glaciers, cliffs, skies and earths meld and are blurred by the alert hand of the artist.

WWW.NATHALIENOVAIN.COM

Daniel Otero Torres

Par Pietro Della Giustinia

Les sujets de Daniel Otero Torres s’inspirent de postures collectées sur internet et dans l’imagerie collective. Modifiées, retravaillées, ces images sont ensuite reproduites au graphite sur différents supports métalliques et déployées dans l’espace. Jouant d’affinités et de contrastes, le travail traduit une pratique composite tendant au bug visuel. Dans l’assemblage des formes se révèle l’aboutissement d’une abstraction. Daniel Otero interroge ainsi les notions d’atemporalité et de continuité dans le rapport à l’image, tant sur les plans historiques qu’esthétiques. De ce fait, il crée des figures abstraites qui, néanmoins, manifestent une cohérence d’ensemble. À ce titre, l’effacement du regard élimine toute trace identitaire des sujets, dont la personnalité et les origines deviennent ambiguës.

The subjects of Daniel Otero Torres are inspired by postures collected on the Internet and in the collective imaging. Modified, worked again, these images are then reproduced in the graphite on various metallic supports and spread in the space. Playing affinities and contrasts, the work translates a composite practice aiming at the visual bug. In the assembly of the forms shows itself the outcome of an abstraction. Daniel Otero so questions the notions of timelessness and continuity in the report in the image, both on the historic plans and the esthetics. Therefore, he creates abstract faces which, nevertheless, show a coherence of set. As such, the erasure of the look eliminates any identity track of the subjects, among which the personality and the origins become ambiguous.

www.danielotero.net

 

Prioux & Peixoto

Par Anaïs Lerendu

« Prioux et Peixoto font de l’art ». Depuis 2012, les deux artistes travaillent ensemble et proposent, dans une démarche à la fois documentaire et performative, de questionner un certain rapport au corps, ce corps de l’artiste, dans un espace, un temps, qu’elles viennent habiter. En sorte, elles proposent d’être là, juste là, et c’est suffisant. Il s’agit alors de trouver un équilibre, entre se montrer à travers des gestes quotidiens, des actions qui ne semblent pas avoir de sens et qui pourtant, dans leur trivialité, nous dérange.

C’est cet être-là dont nous prenons alors conscience ; en somme, c’est d’exister.

 » Prioux et Peixoto makes some art « . Since 2012, both artists work together and suggest, in an approach at the same time documentary and performative, questioning certain report in the body, this body of the artist, in a space, a time, in which they come to live. Gets out of it, it suggest being there, just there, and it is sufficient. It is then a question of finding a balance, enters to show itself through daily gestures, actions which do not seem to have of sense and which nevertheless, in their triviality, disturbs us.

It is this being of whom we then become aware; as a matter of fact, it is to exist.

prioux-peixoto.com

Prix : Progress Gallery

 

Matthieu Raffard

Par Anaïs Lerendu

De hautes colonnes s’élèvent face à nous.

Matthieu Raffard parait ici s’interroger symboliquement sur les fondements de notre culture ; d’une architecture aux formes antiques, en revenir aux origines de la raison. Trois grandes structures géométrique à l’aspect brut, rocailleux se hissent au dessus de ces colonnes. Cependant nous sommes leurrés car cette matérialité n’est qu’apparente puisqu’extraite d’une modélisation 3D. Mais à quoi avons-­nous affaire ? En cela, Pandemonium, sculpture monumentale, intrigue, autant qu’elle fascine. Venant questionner le rapport à notre environnement et cette post­réalité dans laquelle nous sommes jetés, Matthieu Raffard pose également une interrogation d’ordre ontologique. Régit autrefois par les croyances et les mythes, notre relation au monde n’est­-elle pas aujourd’hui contaminée par le virtuel ?

High columns rise in front of us.

Matthieu Raffard here adorned to wonder symbolically about the foundations of our culture; of architecture in the antique forms, return to the origins of the reason there. Three big structures geometrical in the raw, rocky aspect raise themselves above these columns. However we are deceived because this materiality is only visible because extracted from a 3D modelling. But in what let us have – Fusses us? In that respect, Pandemonium, monumental sculpture, intrigues, as much as it fascinates. Coming to question the report to our environment and this post-reality in which we are thrown, Matthieu Raffard also puts an interrogation of ontological order. Governs formerly by the faiths and the myths, our relation to the world is – it not today contaminated by the virtual?

WWW.MATTHIEURAFFARD.COM

Annelise Ragno

Par Anaïs Lerendu

Un silence règne ici.

Un vieil homme qui court, Inlassablement, sans jamais reprendre son souffle ni s’arrêter en chemin. Des plan fixes sur les animaux d’une étable dans la vidéo Still life. Plongés dans l’obscurité, nous nous retrouvons parmi les bêtes, captons leur regard, leur respiration. On décèle dans le travail d’Annelise Ragno le désir d’étendre voire de suspendre un instant. En utilisant des plans rapprochés, l’artiste instaure un trouble, une tension. Elle s’attache aux mouvements du corps, aux tremblements du vivant, pour venir capter cet incessant combat. Ventriloque et Parade viennent quant à eux défier la mort, gisants victorieux témoins de la bataille.

Silence reigns here.

An old man runs, Tirelessly, never catching his breath, nor pausing in his tracks. Still scenes on animals in a barn in the video Still Life. Diving into the obscurity, we find ourselves among the beasts, their gaze, their breath. The work of Annelise Ragno makes us want to extend or suspend the moment. By using close-ups, the artist creates a tension, a disturbance. She focuses on the movements of the body, the trembling of living flesh, in order to capture this incessant combat. Ventriloque and Parade go as far as to defy death, victoriously prostate witnesses to the battle.

WWW.ANNELISERAGNO.FR

 

Andrés Ramirez

Par Emilie d’Ornano

Andrés Ramirez explore les différentes modalités du regard et trouble ainsi la perception du spectateur en déployant des formes architecturées dans un espace défini.

Les matériaux industriels, comme le béton ou l’aluminium, sont utilisés pour créer des formes qui sont subtilement suggérées par les éléments qui composent le dispositif. En effet, les structures qui se côtoient parviennent en quelques endroits à s’enchevêtrer, amenant le spectateur vers un imaginaire qui le pousse à y voir des surfaces et de véritables volumes. Cette poésie spatiale crée de véritables situations ambigües et notre rapport à l’espace en est alors questionné.

Andrés Ramirez explores different ways of seeing, and confounds the perceptions of the viewer in his use of architectural forms within a delimited space.  He makes use of industrial materials such as concrete or aluminum, creating forms that are subtlely suggested by the elements that compose the installation. The structures that co-exist manage in some places to become tangled, leading the viewer toward the imaginary realm where one is drawn into the surfaces and volumes. This spacial poetry creates ambiguous situations that question our relationship with space

ESCOUGNOU­CETRARO.FR/ARTISTES/ANDRES­RAMIREZ/

 

Jennifer May Reiland

Par Emilie d’Ornano

Les peintures de Jennifer May Reiland proposent des introspections denses et fouillées. Cette dernière a voulu rapprocher deux évènements : les attentats du World Trade Center et la Guerre civile espagnole. Sorte de mise en abîme du monde, ses toiles renvoient à des sujets qui ont marqué l’histoire. Pour cette artiste texane, représenter les évènements du 11 septembre 2001 prend tout son sens, car les américains semblaient y voir la fin de l’humanité, tout comme les espagnols en 1936. Ces épisodes, connus de tous, sont illustrés avec minutie et beaucoup de détails rapprochant l’artiste des miniatures et des enluminures produites à l’époque médiévale.

The paintings of Jennifer May Reiland propose dense and detailed introspections. The latter wanted to move closer to two events: the attacks of the World Trade Center and the Spanish Civil war. Kind of putting in abyss of the world, its paintings send back to subjects which made history. For this artist Texan, to represent the events of September 11th, 2001 takes all its sense,  because the Americans seemed to see the end of the humanity there, just like Spanish in 1936. The detail and accuracy in her work recalls the minuteness of medieval illustrations. 

WWW.JENNIFERMAYREILAND.COM

Pablo Réol

Par Emilie d’Ornano

Pablo Réol observe de manière constante les images qui nous entourent et participe lui-même à leur circulation. Subtilement, il leur insuffle un regard ironique et n’hésite pas à les détourner. Certains marchés mexicains sont effectivement emprunts d’images fortes relatives à la société de consommation, et l’artiste a souhaité reprendre les codes de ces stands bricolés.

On note une double lecture quasi­-systématique de ses œuvres invitant à la contemplation, puis à une réflexion plus assidue du sujet qu’il aborde. Le tee­-shirt présent dans cette installation en est une formidable démonstration. À première vue, l’image plutôt « glossy » de la lave entre finalement en collision avec un extrait en lettres dorées du Discours de la servitude volontaire de la Boétie…

Pablo Réol observes in a constant way the images which surround us and participate himself in their traffic. Subtly, he breathes them an ironic look and does not hesitate to divert them. Certain Mexican markets are actually loans of strong images relative to the consumer society, and the artist wished to resume the codes of these tinkered stands.

We note a double reading almost – systematics of its works inviting in the pondering, then in the more diligent reflection of the subject which he approaches. The tee – shirt present in this installation is a great demonstration. At first sight, the rather « glossy » image of the lava finally collides with an extract in golden letters of La Boétie’s Discourses on Voluntary Servitude.  

PABLOREOL­STUDIO.TUMBLR.COM

Clémentine Rettig

Par Emilie d’Ornano

En utilisant le principe du field­-recording, Clémentine Rettig explore le champ de la narration. À sa manière, elle crée et rend compte d’une fiction en réalisant des captations sonores lors de nombreux voyages. Les sonorités singulières des villes enregistrées servent ici comme un principe de composition. Cette dernière les emploie comme un médium à part entière puisqu’elle les utilise, les modifie et les modèle pour créer de véritables collages sonores.

Le spectateur­-auditeur perçoit des résonances, des fragments de mots, des bruits, le tout accentué par la stéréophonie. Cette installation immersive permet donc de se focaliser sur l’esthétique de ces sons, et les sérigraphies qui l’accompagnent permettent de se plonger dans le processus de création de l’artiste.

By using the principle of the field-recording, Clémentine Rettig explores the field of the story. In her own way, she creates and reports a fiction by realizing sound captations during numerous journeys. The singular tones of the registered cities serve here as a principle of composition. The latter uses them as a full medium because she uses them, modifies them and models them to create real sound collages.

The spectator – listener perceives echos, fragments of words, rumours, the whole was stressed by the stereophony. This immersive installation thus allows to focus on the esthetics of these sounds, and the screenprintings which accompany him allow to plunge into the process of creation of the artist.

WWW.CLEMENTINERETTIG.COM

 

Clément Richem

Par Hugo Perez

Artiste du temps qui passe, Clément Richem tente de rendre compte de cette fuite en avant, de l’évolution de la matière. Issu du dessin, l’artiste nous propose des vidéos où la temporalité agit directement sur l’œuvre, la détériore, la modifie, la fait muter. On aperçoit alors la place primordiale de l’aléatoire. Ses œuvres, natures mortes animées, ont une vie à part entière. Clément Richem met ainsi à jour ce rapport de toutes choses à leur historicité.

De ce processus résulte la nécessité pour l’artiste de traiter du thème du temps qui passe, qui s’écoule et qui ne revient pas. Clément Richem parle de la fragilité des êtres, de leur condition, de leur rapport à la nature. De ce travail réflexif s’échappe une douce poésie alimentée par un univers sonore qui entraîne à la rêverie.

Artist of the time who passes, Clément Richem tries to report this headlong rush, the evolution of the material. Stemming from the drawing, the artist proposes us videos where the temporality acts directly on the work, damages it, modifies it, it made mutate. We perceive then the essential place of the random. His works, livened up still lives, have a full life. Clément Richem so updates this report of any things in their historicity. Of this process results the necessity for the artist to deal with the theme of the time which passes, which passes by and which does not return. Clément Richem speaks about the fragility of beings, about their condition, about their report to the nature. Of this reflexive work escapes a soft poetry fed by a sound universe which pulls in the musing.

CLEMENTRICHEM.WORDPRESS.COM

 

Monica Rodriguez

Par Hugo Perez

Basée à Los Angeles, Californie, Monica Rodriguez explore la connexion que peuvent avoir les langages politique et artistique dans un souci d’y dégager une pratique complémentaire. À travers ses vidéos, performances et installations, l’artiste s’intéresse aux formes esthétiques qui, utilisées dans l’action politique, la transforme alors en art.

De la représentabilité de moments historiques et politiques, Monica s’intéresse tout particulièrement aux mouvements sociaux. Se basant sur des enregistrements ou souvenirs, elle développe un regard critique sur ces événements et cherche à développer de nouvelles formes de représentations. L’œuvre de Monica Rodriguez nous interpelle, nous fait prendre conscience de notre héritage et du monde dans lequel nous évoluons.

Based in Los Angeles, California, Monica Rodriguez explores the connection that the political and artistic languages in a concern can have to clear a complementary practice there. Through her videos, performances and installations, the artist is interested in the esthetic forms who, used in the political action, transforms it then into art.

Of the représentabilité of historic and political moments, Monica is quite particularly interested in the social movements. Basing itself on recordings or memories, she develops a critical look on these events and tries to develop new forms of representations. Monica Rodriguez’s work calls out to us, made us become aware of our inheritance and the world in which we evolve.

MONICARODRIGUEZMEDINA.TUMBLR.COM

 

François Roux

Par Hugo Perez

Attentif à ce monde qui nous entoure, François Roux tente de rendre compte de sa beauté par l’expérience sensorielle. Grâce à la vidéo, médium de la transversalité, l’artiste donne une réflexion sur l’essence de chaque chose et sa poésie. L’absurde, l’insignifiance sont ici mis à l’honneur. François Roux capte ces moments dans l’idée de sauvegarder la fragile beauté émanant de l’interaction entre des phénomènes. Si la trace laissée par chaque être, chaque chose est comparable à celle d’une plume dans le vent, l’artiste n’en sous-estime pas la beauté qui en résulte.

Il s’agit d’un processus de traque, de chasse de la limite poreuse entre poésie et réel. François Roux révèle le moment de tension, le moment suspendu, le moment de grâce.

Attentive to this world which surrounds us, François Roux tries to report his beauty by the sensory experience. Thanks to the video, the medium of the transversalité, the artist gives a reflection onto the essence of every thing and his poetry. The absurd, the insignificance are put here in the honor. François Roux gets these moments in the idea to protect the fragile beauty emanating from the interaction between phenomena. If the track was left by every being, every thing is comparable to that of the feather in the wind, the artist does not underestimate the beauty which results from it.

It is about a process of tracking, about a hunting of the porous limit between poetry and reality. François Roux reveals the moment of tension, the suspended moment, the moment of grace.

WWW.FRANCOISROUX.NET

 

Samuel St-Aubin

Par Hugo Perez

Se penchant sur la dualité entre l’immuabilité mécanique de la machine et malléabilité comportementale de la matière, Samuel St­-Aubin développe une réflexion singulière à l’aide de ses sculptures cinétiques. Avec la répétition de la machine-­outil et son contrôle exercé sur la matière, l’artiste extrait le mouvement chaotique inhérent à toutes choses.

De ce cheminement surgit l’instabilité qui modifie l’objet sur le long terme ainsi qu’une poésie du quotidien. Influencé par les objets qui l’entourent, Samuel teste leurs limites pour leur donner un sens nouveau. Dans ses travaux, la contingence du temps matérialisée par le hasard, permet à l’artiste de mettre à jour la beauté simple de la récurrence.

Dealing with the duality between the mechanical stability of the machine and the behavioral malleability of the material, Samuel St-Aubin develops a singular reflection by means of his kinetic sculptures. With the repetition of the machine – tool and his exercised control over the material, the artist extracts the chaotic movement inherent to any things.

Of this progress appears the instability which modifies the object on the long term as well as a poetry of the everyday life. Influenced by the objects which surround him, Samuel tests their limits to give them a new sense. In its works, the contingency of time realized by the fate, allows the artist to update the simple beauty of the recurrence.

WWW.SAMUELSTAUBIN.COM

 

Timothée Schelstraete

Par Firouzeh Saghafi

Les images « trouvées », leurs particularités et les associations qui se jouent entre elles pour une raison ou une autre sont éminemment signifiantes dans le travail de Timothée Schelstraete. La représentation par le biais de la peinture ou du dessin n’est pas pour autant la reproduction exacte de celles­-ci. Par un jeu de montage, ces images qu’on peut souvent qualifier d’obscures et de latentes nous laissent hésitants sur l’origine du sujet représenté.

HAL 2 et Confer reflètent chacun tour à tour la volonté de l’artiste de créer son propre hors-­champ et d’arbitrer un cadrage qui lui est propre. Ce refus de Timothée Schelstraete de guider véritablement le regard pousse le spectateur à une certaine autodidaxie, laquelle n’aboutira certainement que sur une lecture dont on ne sait pas avec certitude s’il s’agit, ou non, d’un leurre.

The « found » images, their peculiarities and the associations which happen between them for a reason or an other one are eminently significant in the work of Timothée Schelstraete. The representation by means of the painting or of the drawing is not for all that the exact reproduction of those. By a game of assembly, these images which we can often consider as dark and of latent leave us hesitating on the origin of the represented subject.

HAL 2 and Confer reflect each alternately the will of the artist to create own sound except-field and to arbitrate a centring of his own. This refusal of Timothée Schelstraete to guide really the look pushes the spectator to a certain self-education, which will succeed certainly only on a reading about which we do not know with certainty if it is, or not, about a delusion.

Prix : Art [] Collector

 

Ludivine Sibelle

Par Firouzeh Saghafi

Les œuvres que présente Ludivine Sibelle ont été réalisées dans le cadre d’une réflexion sur les mythes fondateurs de nos sociétés contemporaines. Hérésies est un film qui fait se rencontrer virtuellement deux personnages, un juge ecclésiastique du 17e siècle et un physicien du 20e siècle. Ce film éprouve à sa manière les peurs et les fantasmes que suscitent les systèmes de croyances.

Fossile est une image qui tente de saisir la mélancolie qui peut émerger des souhaits et désirs enfermés dans une construction artificielle et rapidement désuète. Cette désuétude est révélée par les fissures et la disparition progressive de l’image. Si le travail de Ludivine Sibelle s’attache à des formes et des évènements passés, c’est aussi dans une volonté de dialoguer avec le présent tout en prenant du recul. Cette contemporanéité s’exprime notamment dans son intérêt pour les nouvelles technologies et la profusion d’image propre à la culture visuelle actuelle.

The works which presents Ludivine Sibelle were realized within the framework of a reflection on the founding myths of our contemporary companies. Heresies is a movie which brings together virtually two characters, an ecclesiastical judge of the 17th century and a physicist of the 20th century. This movie feels in her own way the fears and the fantasies which arouse the systems of faiths. Fossile is an image which tries to seize the melancholy which can emerge from wishes and desires locked into an artificial and quickly old-fashioned construction. This disuse is revealed by cracks and progressive disappearance of the image. If the work of Ludivine Sibelle becomes attached to forms and past events, it also is in a will to have a dialogue with the present while standing back. This contemporaneity is particularly noticeable in regard to her interest in new technologies and the profusion of the image in contemporary visual culture. 

WWW.LUDIVINESIBELLE.COM

Prix : Boesner

 

Britt Sprogis

Par Firouzeh Saghafi

Le travail de Britt Sprogis se caractérise par un lien très fort de l’œuvre à l’espace dans lequel elle est installée. La pièce trouve toute sa consistance dans l’environnement qui est celui de son exposition, ainsi que dans le regard du spectateur. La manière dont l’œuvre est disposée amène le spectateur à diriger son regard vers le bas, créant ce faisant une interaction entre son corps et le sol, et plus généralement l’espace. C’est un questionnement sur les matériaux et le savoir faire artisanal qui fonde la pratique de Britt Sprogis. Pourquoi ces matériaux et pas d’autres ? L’artiste se les approprie pour ensuite mieux les manipuler. Elle réfléchit de ce fait à l’usage auquel ils sont destinés. L’utilisation d’isolant thermique est ici justifié par l’idée d’une absence du son. Absence, qui à son tour, nous amène à réfléchir à ce dernier. L’œuvre prend alors un nouveau tournant et trouve son aspect performatif.

The work of Britt Sprogis is characterized by a very strong link of the work in the space in which she is installed. The room finds all its consistency in the environment which is the one of its exhibition, as well as in the look of the spectator. The way the work is installed forces the viewer to direct his/her gaze donward – thereby creating an interaction between its body and the ground, and the surrounding space. The artist’s practice has been led by an ongoing questioning on material and not another? Britt Sprogis appropriates matter and then manipulates it.  She considers the use for which materials are intended. The use of insulation material here is justified by the idea of an absence of any sound. Absence, which leads us to think about sound. Thus the work takes a new turn and finds its performative aspects. 

WWW.BRITTSPROGIS.COM

 

Beatriz Toledo

Par Pietro Della Giustina

La pratique artistique de Beatriz Toledo gravite autour de la photographie. Elle interroge en particulier la limite entre la bidimensionnalité et la tridimensionnalité, en traitant de la notion de substitution d’objets réels par leur image. Sa production plastique se nourrit, entre autres, de visions de paysages urbains, d’objets trouvés dans la rue et de vues d’atelier. Dans un premier temps, les images sont détruites dans leur intégralité, pour ensuite être matérialisées dans des nouvelles formes.

Les installations/objets questionnent ainsi la notion d’espace, son occupation et sa mise en scène, en créant des stratagèmes visuels dans le lieu de monstration.

Beatriz Toledo’s artistic practice revolves around the photography. She particularly questions the limit between what is bidimensional and tridimensional, dealing with the notion of the substitution of real objects with their image. Her visual practice reflects on, among others, visions of urban landscapes, found objects in the street and studio views. First, the images are completely destroyed to be later materialized into new forms.

The installations/objects thus question the notion of space, its occupation and staging, creating visual stratagems in the exhibition space.

WWW.BEATRIZTOLEDO.COM

Prix : Lieu-Commun

 

Julien Toulze

Par Lauriane Vigouroux

Les installations de Julien Toulze sont « bricolées » dans sa chambre à coucher, et faites de matériaux à disposition. Filmées et transformées numériquement, elles deviennent un objet animé à part entière, perverti volontairement par un ensemble de processus digitaux. Julien Toulze fausse les rapports d’échelle de telle manière à provoquer une perte de repère.

Cette esthétique de la défaillance et de l’abstraction, il l’alimente de l’imagerie du « bug », jusqu’à obtenir une forme de dégénérescence de l’image. Paradoxalement, la multiplication de ces procédés numériques permet d’atteindre une autre dimension de l’installation, virtuelle, riche et complexe. Julien Toulze ancre le mode de diffusion de ses installations dans cette démarche puisqu’elles sont vouées à être partagées via des plateformes de streaming. On pourrait alors parler d’in­-situ 2.0.

Julien Toulze’s installations are « cobbled together » in his bedroom from materials he finds lying around. Digitally filmed, then altered, they become animated objects with lives of their own, which the artist further perverts by a combination of digital processes. Julien Toulze distorts all sense of scale, leaving the audience disoriented. 

This esthetics of the failure and the abstraction, he feeds him of the imaging of the « bug », until obtain a form of degeneration of the image. Paradoxically, the multiplication of these digital processes allows to reach another dimension of the installation, virtual, rich and complex. Julien Toulze anchors the broadcasting mode of his installations in this approach because they are dedicated to be shared via platforms of streaming. We could then speak of in situ 2.0.

HTTP://JULIEN.TOOLS

Prix : Galerie du Haut-Pavé

 

Florian Tuercke

Par Lauriane Vigouroux

La pratique de Florian Tuercke se situe entre les domaines de l’installation, de la performance et de la musique. Il s’intéresse à l’espace public urbain comme environnement à potentiel musical, et compose avec les éléments qui le caractérisent. Par la création d’outils de captation spécifiques, Florian Tuercke traduit instantanément ses prises de son en partitions mélodieuses.

D’un point de vue visuel, il assemble les images enregistrées pour créer une unité filmique vibrante et envoûtante, résultat d’une superposition de calques animés. Partir d’une base brute pour la sublimer est une notion récurrente à son travail. Sa pratique s’inscrit plus globalement dans une démarche de révélation et d’amplification d’une esthétique du mouvement, qu’elle soit sonore ou visuelle.

Florian Tuercke’s practice is situated between the domains of the installation, the performance and music. He is interested in the public place urban as the environment with musical potential, and compromises with the elements which characterize him. By the creation of specific tools of captation, Florian Tuercke translates immediately his sound recordings into melodious partitions.

From a visual point of view, he assembles the images recorded to create a vibrating and mesmerizing cinematic unity, a result of a superimposing of livened up copies. Leave a gross base to sublimate it is a recurring notion in its work. His practice joins more globally in an approach of revelation and development of an esthetics of the movement, that it is sound or visual.

WWW.FLORIANTUERCKE.NET

 

Julie Vacher

Par Lauriane Vigouroux

Julie Vacher développe une pratique de vidéaste empreinte des codes du documentaire. Elle cherche à capter la manière dont les lubies, en s’inscrivant entre technique, amateurisme et vernaculaire, permettent d’éprouver un fantasme de la nature. Le récit apparaît lorsque l’homme devient acteur de son environnement et le façonne comme son propre décor.

Julie Vacher utilise alors le son comme moyen d’atteindre une forme amplifiée du récit. En sondant cette zone de sensibilité faisant partie intégrante de l’objet filmique, elle saisie une autre réalité, augmentée. Voir les sons, écouter les images, c’est ce champ de liberté porteur d’imaginaire qu’elle agite. En collaboration avec un musicien, Julie Vacher explore l’acoustique des bruits et du langage comme véritable matière à désynchroniser, à synthétiser, à amplifier.

Julie Vacher develops video director’s practice marked with codes of the documentary. She tries to get the way the whims, by joining between technique, amateurism and vernacular, allow to feel a fantasy of the nature. The narrative appears when the man becomes an actor of his environment and shapes it as his own decoration.

Julie Vacher uses then the sound as the way to reach a shape amplified by the narrative. By sounding this zone of sensibility being an integral part of the cinematic object, her seized another reality, increased. To see sounds, to listen to the images, it is this expanding field of freedom of imagination that she shakes. In association with a musician, Julie Vacher explores the acoustics of the rumours and the language as the real material to be desynchronized, to be synthesized, to amplify.

cargocollective.com/julievacher

 

Capucine Vandebrouck

Par Elodie Vitrano

L’exploration de matières minérales conduit Capucine Vandebrouck à questionner le changement d’état des éléments organiques qui nous entourent. Des sculptures naissent de ces transformations mettant en avant les procédés chimiques qui s’y exercent et laissant progresser la matière dans un aléatoire maîtrisé. La relation à l’oeuvre s’inscrit naturellement dans un rapport temporel lié au processus de création, il s’agit d’une expérience empirique.

La souplesse de la toile s’immobilise dans une mutation laissant apparaître des cristaux prismatiques se logeant dans un drapé figé, mémoire de cette métamorphose. Évoquant l’architecture du pli dans la sculpture classique, la toile est mise sur socle, érigée et destituée de sa fonction initiale. Un déplacement s’opère alors entre la surface et le volume, entre l’espace occupé et celui proposé, pour laisser la place à une entité topographique originale et contemplative.

The exploration of minerals leads Capucine Vandebrouck to question the change of state of the organic elements which surround us. Sculptures arise from these transformations putting forward the chemical processes which practice it and letting progress the material in random one mastered. The relation in the work joins naturally in a temporal report bound to the process of creation, it is about an empirical experience.

The flexibility of the painting stands still in a transfer letting appear prismatic crystals finding accommodation in a motionless drape, a memory of this metamorphosis. Evoking the architecture of the fold in the classic sculpture, the painting is put on base, set up and discharged of its initial function. Referring to the fold in classical sculpture, the canvas is installed on a base, destitute of its original function: a shift between surface and volume, between the offered space and the actually occupied area, leading to a singular and lyrical topographic entity. 

WWW.CAPUCINEVANDEBROUCK.FR

Prix : Galerie du Haut Pavé

 

Yann Vanderme

Par Elodie Vitrano

Actions furtives et installations in-situ, Yann Vanderme se confronte au réel. Tant à sa propre réalité qu’à celle perçue par le spectateur. Il s’en émancipe cependant pour plonger dans la fiction à travers la vidéo.

En interrogeant notre imaginaire, il nous accompagne dans le renouvellement et l’élargissement de l’appréhension du monde qui nous entoure. La fiction lui permet d’évoluer avec plus de liberté et de déployer un pouvoir de pensée conséquent. Il expérimente la forme marionnette afin de questionner la place de l’affectif dans la construction de l’individu. À travers ce filtre, un univers où tout est possible émerge.

Furtive actions or in-situ installations: Yann Vanderme confronts reality. His own reality as well as the reality perceived by the viewer. He questioning our imagination, he guides us in the renewal and opening of the apprehension of the world which surrounds us. Fiction enables him to evolve with more freedom and to unfold a consequent and powerful thinking ability. He experiments with the puppet form to question the place of emotions in the construction of individuals. A world where everything is possible emerges though this filter.

YAN.VANDERME.FREE.FR

Prix : XPO Gallery et Prix Jeune Création –SYMEV

 

Élise Vandewalle

Par Elodie Vitrano

Au croisement de multiples médiums, Élise Vandewalle explore les disciplines pour concevoir une oeuvre multisensorielle. D’une installation conçue comme une scène, objets textiles, vidéo et voix féminines naissent de formes sculpturales pour se disperser dans l’espace. La porosité de la voix et celle du geste s’entrechoquent au travers de performances sporadiques. L’immersion dans ces spectres vocaux nous fait découvrir ou re-découvrir Emily Dickinson, Kathleen Ferrier et Hildegarde von Bingen, poète, chanteuse et mystique.

Libre au spectateur de déambuler dans cet univers afin de percevoir l’atmosphère qui s’y déploie. L’installation nous interroge sur l’être artiste comme acte politique à travers ces figures tutélaires.

In the crossing of multiple mediums, Elisa Vandewalle explores the disciplines to design a multisensory work. Of an installation designed as a scene, textile, video objects and feminine voices arise from sculptural forms to scatter in the space. The porosity of the voice and that of the gesture collide through sporadic performances. The dumping in these vocal spectres makes us discover or rediscover Emily Dickinson, Kathleen Ferrier and Hildegarde von Bingen, poet, singer and mystic.

Free to the spectator to roam in this universe to perceive the atmosphere which spreads there. The installation questions us about the being artist as political act through these guardian figures.

WWW.ELISEVANDEWALLE.FR

 

Luca Wyss

Par Elodie Vitrano

Luca Wyss nous fait découvrir la pratique du cerf-volant dans les favelas brésiliennes de Rio de Janeiro, devenue activité quotidienne pour les jeunes de ces quartiers. Véritable fait culturel, cette pratique émancipatrice permet d’échapper un temps à l’oppression sociale qui pèse sur ces populations. Incitant au partage, elle cimente les échanges. De la découverte de cette réalité culturelle est né le documentaire Un funk pra pássaros.

Aujourd’hui, Luca Wyss cherche à explorer plus avant sa démarche. Le documentaire est le premier support de sa recherche et il réussit désormais à se ré-approprier la pratique afin de mieux la donner à voir. Entre exposition et atelier de fabrication nomade, l’installation est un espace de dialogue, source de rencontres et de partages au-delà des frontières.

Luca Wyss makes us discover the practice of the kite in the Brazilian favelas of Rio de Janeiro, become daily activity for the young people of these districts. Real cultural fact, this practice emancipator allows to escape one time the social oppression which presses on these populations. Inciting to the division, she cements the exchanges. Of the discovery of this cultural reality was born the documentary Un funk pra pássaros. Today, Luca Wyss tries to explore more before her approach. The documentary is the first medium of her research and it manages from now on to regain control the practice to give her better to see. Between exhibition and nomadic workshop, the installation is a space of dialogue, a source of meetings and divisions beyond the borders.

www.lucawyss.com

Prix : Cabane Georgina

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