Du 1er au 25 février

Vernissage le mardi 31 janvier à partir de 18h

Adamantios Kafetzis -  Kappatos Gallery, Athènes.

Dès qu’on cesse de regarder une œuvre d’art, on succombe aussitôt à la tentation de son interprétation. Les yeux se sont accoutumés à être renvoyés à un texte comme celui-ci, afin de «voir» si il y a quelque chose à «comprendre». Mais, le plus souvent, il n’ y a rien à comprendre, pour deux raisons principales: premièrement, c’est l’oeil qui est pris par l’œuvre (et pas l’œuvre qui est com-prise dans le regard); puis, parce que le plupart des textes ne s’adressent pas au regard du spectateur. La relation entre l’œil (du photographe ou du spectateur) et l’icône (l’«image» en grec) pose toujours la question éternelle: croire ou comprendre? Et dans la mesure où Adamantios utilise un moyen qui assume une certaine fonction d’enregistrement (l’enregistrement de ce qui est vu par l’oeil), cette question prend un caractère de plus en plus urgent.  Et ce d’autant plus qu’Adamantios photographie des scènes de prière.

L’enjeu d’une photographie de la prière est peut-être semblable à celui de l’iconographie byzantine et des images islamiques: rendre visible l’in-visible, faire une image de ce qui ne peut pas être représenté. Dans les icônes de la tradition orthodoxe ce qui est en jeu c’est l’entrée d’un saint dans le monde illusoire de la représentation, sans que la personne sacrée ne soit touchée par ce passage. D’une façon semblable, ces photographies ont l’ambition de se transformer en tableaux qui saisissent le mystère de la prière. La possibilité de la comparaison entre ces deux modes d’iconographie n’est pas seulement due à la tentation de la représentation (le «désir de voir» que Jean de Damas attribue au diable en le distinguant de la puissance communicative des icônes), mais aussi à un certain isomorphisme entre le moyen et son objet. Adamantios, pour ainsi dire, n’a pas apporté dans la galerie des photographies faites à Hagion Oros, afin de nous transmettre un certain air de «mystification» (ça serait un vrai péché esthétique). Tout au contraire il est resté ici, dans la cité, et il a demandé aux croyants de s’asseoir près des climatiseurs du temple ou sur les chaises de plastique.

Il se peut donc que le sacré soit tracé entre nous –comme l’indique l’image d’Amadou Bamba, le prophète des Mourides qu’on voit partout dans les rues au Sénégal. En fait les croyants mêmes qu’on voit dans les photographies gardent la retraite indispensable de la prière –mais toujours dans les bornes imposées par la cité moderne: [ils sont gauches] dans le temple, éloignés de leur patrie ou ils font leur prière dans une petite chambre, juste avant le grand match. Cette « dégradation» du mystère dans la photographie équivaut au danger imminent de la peinture, c’est-à-dire à la transformation de l’image en représentation pure –un «péché» caractéristique de nôtre civilisation (c’est pour cela peut-être que les deux photographies obscures et séparées du reste de l’exposition sont à ce point pareilles à un tableau). C’est bien de la même tentation que  la camera a vu le jour: on pourrait rappeler que, sous la Renaissance, la chambre obscure (camera obscura) était utilisée en peinture pour atteindre la plus grande fidélité possible.

Ce danger de dégradation, de la diminution de l’image en photographie, est surpassé par la fonction de la lumière. Le moment où on lance notre regard vers la lumière des images d’Adamantios est cruciale pour la manière dont on les verra. Cette lumière ne semble pas avoir une origine fixe –sa question reste toujours ouverte. Elle envahit soudainement l’image en touchant en peine les croyants – on peut bien constater que ces personnes deviennent dans quelques cas obscures. La lumière fait bien le croyant apparaître, mais elle ne nous le présente pas. Il semble qu’elle soit réservée pour quelque chose d’autre.

On va être surpris en trouvant que le jeu entre la lumière et l’obscurité est également caractéristique de l’iconographie, de la photographie et de la prière. Car, dans chacun de ces trois cas, la condition de la vue c’est l’obscurité même. Dans l’iconographie, l’image est obscure, faite pour la lumière de la bougie: éclairez-vous l’icône, et le saint vous regarde. De plus, il est dit que l’image d’Amadou Bamba, aussi obscure qu’une icône orthodoxe, transmet à ceux qui la regardent une certaine puissance mystique. Puis, en ce qui concerne la photographie, l’obscurité est constitutive de l’apparition de l’image (la chambre reste toujours obscure): un petit rayon de lumière suffit pour qu’une image nous apparaisse. Et finalement, dans la prière les yeux restent fermés dans l’obscurité du temple, comme « personne n’a jamais vu Dieu». On ferme les yeux en dénonçant le monde lumineux, et dans notre désir si fort de Le voir, on sent que c’est Dieu qui nous regarde.

Le résultat ces trois rituels n’est pas le fait qu’on voit une certaine image, mais l’impression que quelqu’un nous regarde. Et, en ce qui concerne les photographies faites par Adamantios, ce qui nous apparaît n’est pas le croyant, mais les icônes qui le regardent. Les icônes le regardent de l’intérieur, nous de l’extérieur. Tout à coup on s’aperçoit qu’on se partage la même vue (le croyant) et finalement on s’observe réciproquement l’autre.

Encore une fois les icônes nous regardent. Elles nous regardent à travers cette lumière qui a pénétré la boîte noire de la camera pour les éclairer, tout en rendant possible l’obscurité des croyants. On ne pourrait pas voir ce spectacle (le croyant avec l’icône) à l’œil nu, car on serait obligé de choisir: En se trouvant dans une église, on regarderait soit l’un, soit l’autre et l’on aurait le dilemme éternel entre foi et non foi. Tout au contraire, les photographies – tableaux offrent la possibilité de se regarder avec les icônes – chacun dans son lieu propre.

Regardez donc ces photographies et pensez seulement cela: comment, en regardant des croyants, une image de plus en plus claire de vous-même émerge-t-elle ; et comment cette même image commence à s’obscurcir quand vous tournez le regard vers le prophète. Vous êtes venu ici afin de regarder ; y–a -il la moindre chance que vous soyez regardé vous-même?

Nicolas Skiadopoulos

Galerie Jeune Création

mardi-samedi 11h-18h

24 rue Berthe 75018 Paris (Abbesses / Pigalle / Anvers)
01.42.54.76.36
Avec le soutien de la Mairie du 18e.

Conférence mardi 24 janvier 19h

Présentation des enjeux de l’association Jeune Création et de l’appel à candidature pour l’exposition internationale qui se tiendra en novembre 2012, au 104, Paris

Exposition 24-28 janvier / vernissage le 24 janvier à 18h

Cité Internationale des arts

Auditorium

18, rue de l’Hôtel de Ville — 75004 Paris

A venir à la galerie Jeune Création:

Adamantios Kafetzis / Vernissage le 31 janvier à 18h

Plus d’informations ici

Du 6 au 13 novembre 2011

Vernissage le samedi 5 novembre à 18h

Nocturnes les 11 et 12 novembre jusqu’à 23h

Peintures, sculptures, photos, dessins, vidéos, installations et performances investissent les 2000 m2 des Ecuries. Ce rendez-vous annuel établit une cartographie de la jeune création contemporaine émergente, mettant en lumière la diversité de ses vocabulaires esthétiques. Par une programmation pointue d’artistes d’une quinzaine de nationalités qui, pour certains, exposent pour la première fois en France, Jeune Création réaffirme cette année son rôle de dénicheur de talents.

À travers leur regard de plasticiens, les membres du comité Jeune Création ont donc distingué, pour cette nouvelle édition, les travaux d’une soixantaine d’artistes prometteurs parmi plus de 1500 dossiers. Le collectif se fait commissaire le temps d’une scénographie ; Jeune Création a en effet imaginé un parcours original favorisant le dialogue entre les projets des plasticiens, invitant à la découverte et à la déambulation.

Forts de leur collaboration depuis 2009, le CENTQUATRE et Jeune Création deviennent cette année des partenaires privilégiés. Ils proposent une ouverture publique élargie à deux week-ends et une exposition ponctuée de nombreux événements. Véritable lieu de rencontres et d’échanges, Jeune Création est devenue un rendez-vous parisien incontournable de repérage et d’exploration.

L’édition 2010, plébiscitée par les professionnels et le public, avait inauguré la mise en place d’axes forts : conférences, performances et médiation. Ces pôles seront cette année renforcés afin d’offrir un événement vivant et ouvert à l’expérimentation et à la réflexion.

Christian Globensky, plasticien et professeur à l’Ecole d’Art de Metz Métropole, coordonne un cycle de conférences sur le thème « Art et Création Durable ». Les intervenants y questionnent la place de l’artiste dans notre monde globalisé et l’incidence de leurs réalisations sur l’environnement. De nombreuses autres conférences apportent un regard sur les enjeux de la création plastique actuelle en écho aux œuvres des artistes de la sélection 2011.

David Zerbib du LAAC (Laboratoire Acte Archive Concept) propose cette année un format original et expérimental pour la programmation de performances. Engendrant une sorte de « Big Bang », les artistes présentent Conductions, un ensemble de performances qui ont lieu simultanément dans le même espace afin de mettre à l’épreuve la spectacularité et de bousculer notre système d’attention.

Afin d’élargir ses horizons, Jeune Création invite l’association Les Instants Vidéo Numériques et Poétiques. Celle-ci propose une programmation d’œuvres vidéos de tous pays qui entendent interroger, à leur manière, les bouleversements sociaux et politiques des territoires du sud méditerranéen.

En collaboration avec le service des publics du CENTQUATRE, l’équipe de médiation, pilotée par l’association Reg’art de Paris, met l’accent sur les ateliers jeune public et les rencontres avec les artistes de la sélection 2011. Des médiateurs sont également présents dans les espaces d’exposition, un véritable atout pour le public non averti.

Sur la place centrale, un espace professionnel offre la possibilité de consulter les books d’artistes et leurs catalogues. Pensée comme un espace convivial, cette plateforme de vente permet à Jeune Création d’accueillir plus aisément les collectionneurs, professionnels et amateurs.

Enfin, le moment fort de l’exposition est, comme chaque année lors du vernissage, la remise des « Prix Jeune Création » et « Prix Boesner » décernés par un jury de professionnels du monde de l’art contemporain.

À la fois zone de pensée et laboratoire, Jeune Création, énergique et pluridisciplinaire, révèle les univers singuliers d’artistes à découvrir !

ARTISTES Stéphane Albert / Lucia Barbagallo / Luc Barrovecchio / Jesus Alberto Benitez / Loïc Blairon / Tania Blanco / Elodie Brémaud / Marion Brusley / Samuel Buckman / Juliano Caldeira / Anaïs De Chabaneix / Jérémy Chabaud / Sonia Derzypolski / Estelle Deschamp / Carole Douillard / Estrella Estevez / Jonas Etter / Régis Feugère / Sarah Garbarg / Anna Geneste / Harold Guérin / Lesley Guy / Romaric Hardy / Margret Hoppe / Marylise Humbert / Claudia Imbert / Kristina Irobalieva / Eléonore Josso / Michaël Jourdet / Yves Koerkel / Claire Larfouilloux / Virginie Laurent / Erin Lawlor /  Olivier Lemort / Léon Jérémie / Florine Leoni et Sylvain Baumann / Les Frères Ripoulain (David Renault & Mathieu Tremblin) / Dan Meththananda / Mari Minato / Daphné Navarre / Hyeryne Park / Aurélie Peterschmitt-Lévy / Sandra Plantiveau / Benoît Pype / Han Ren / Aurore Renaudeau / Delphine Renault / Christophe Sarlin / Per Svensson / Claire Tabouret / Eva Taulois / Nicolas Tubéry / Lucille Uhlrich / Kirill Ukolov / François Valenza / Henri Wagner / Wenjing Wang / Leïla Willis.

Plus d’informations sur:

-Le Pôle Conférences

-Les Performances

-Le Pôle Médiation

- La Programmation vidéo

-Les rédacteurs des cartels

-Le programme jour par jour

Jeune Création reçoit le soutien du Ministère de la Culture et de la Communication (Direction générale de la création artistique), de la Ville de Paris et du Conseil régional d’Ile-de-France.

Le CENTQUATRE est Grand partenaire de Jeune Création 2011.

CENTQUATRE

Entrée au 5 rue Curial, 75019 Paris, Métros : Stalingrad, Crimée ou Riquet

© Edouard Caupeil

Du 6 au 13 novembre 2011 de 11h à 20h

Nocturnes les 11 et 12 novembre jusqu’à 23h30

Fermé le lundi 7 novembre

Vernissage et ouverture au public le samedi 5 novembre à partir de 18h

Visite de presse le mercredi 2 novembre de 15h à 19h

Entrée : 5 euros

Gratuité pour les « Pass Voisins 104 » et les enfants de moins de 12 ans.

Un catalogue sera à nouveau édité à l’occasion de cette édition.

Jeune Création

24 rue Berthe 75018 Paris

Tél. : 01 42 54 76 36 / info@jeunecreation.org

Coordination des conférences : Christian Globensky pour le cycle « Art et Création Durable »

Coordination des performances : David Zerbib

Programmation vidéo : Les 24es Instants Vidéo

Coordination médiation et rédaction des cartels : Leïla Simon, collectif Untitled

Médiation : Association Reg’art de Paris (Nicoletta Colonna, Francesca Mongale et Téa Romanello-Hillereau)

Réservations visites / Tél. : 01 53 35 51 11 / relations.publics@104.fr

Relations avec la presse

Lorraine Hussenot

Tél. : 01 48 78 92 20 / lohussenot@hotmail.com

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Exposition collective du 10 décembre au 14 janvier

Finissage le samedi 14 janvier à partir de 16h

Avec:

Arnaud Aimé / Estèla Alliaud / Sandra Aubry et Sébastien Bourg / Arnaud Bergeret / Yves Koerkel / Antoine Miserey / Sandra Schmalz

« Ils ont dit des choses. Ils ne m’ont pas dit grand-chose. Ils sont partis. »

Céline, Mort à crédit, incipit.

A Rebours

Arnaud Aimé, Estèla Alliaud, Sandra Aubry, Arnaud Bergeret, Yves Koerkel, Antoine Miserey et Sandra Schmalz quittent le bureau de Jeune Création. J’ai pu les voir à l’œuvre, en pleine action et en pleine création, pendant deux ans. C’est en témoin que je remonterai le temps des trois phrases qui les rassemblent.

« Ils sont partis. »

Ils sont sur le départ. Les œuvres parlent de déplacement et de disparition. La danse des bombes d’Antoine Miserey s’ouvre sur des images d’avion à l’embarquement. Apparaissent à l’écran quelques phrases tapées à la machine, tirées à peu près de Bonnie and Clyde de Serge Gainsbourg : « comment ils ont vécu/comment ils sont morts », qui commentent les déplacements des foules de places publiques en stades de foot, espaces à la fois vides et pleins, et traversés par l’ombre de l’artiste – déjà plus là – en rollers. Cette ombre file comme l’eau dans les caniveaux, à la fois présente et absente au monde, comme cette plume qui frôle un trottoir.

Et ils meurent un peu, comme dit le proverbe, et s’éparpillent comme les visages fragmentés d’Yves Koerkel. C’est la tristesse du départ. Antoine Miserey nous convie à une danse des bombes, d’une déclaration de guerre à l’autre. Les images d’enfouissement abondent dans sa vidéo (pelleteuses, gravats), quand Arnaud Aimé expose un gisant, renouant ainsi aussi avec l’histoire, la mémoire des hommes et l’art ancien. Estèla Alliaud travaille avec la cendre, si poétique, si funèbre et si fragile, pour construire un obstacle éphémère. Le Jeune Garçon d’Arnaud Bergeret, en corps pompéien solidifié, semble vaticiner. Aveugle aux yeux clairs, blanc comme le hasard de la fabrication, il s’apparente aussi à une Pythie antique, à un Tirésias prophétisant du fond des Enfers, sans âge, ni sexe, au babil aussi incertain qu’un journal contemporain.

« Reddition ou rémission ? », interroge le drapeau de Sandra Aubry et Sébastien Bourg. Sépulcres blanchis ou pansement, pour ce drapeau cassé et trempé dans le plâtre ? Paix nouvelle ou blancheur de l’absence ? Sandra Schmalz avec L’eau de Paris, montre ce paradoxe : la vie jaillit de ce sol si spécial qu’est celui des cimetières parisiens.

« Ils ne m’ont pas dit grand-chose. »

Car ils sont discrets. Cette éthique de la discrétion est d’abord celle du nuancier de gris. Gris quasi monochrome des photographies d’Estèla Alliaud, qui rappelle au passage que la photographie peut être pensée comme un effleurement de lumière quasi immatériel, à l’image de ces cendres qui hésitent entre l’air et la matière. Graphite virtuose d’Arnaud Aimé pour le modelé de Mea Culpa en oppositions de valeurs, de la chair au drapé de marbre. Le dessin est inachevé, une feuille réduite à l’état de squelette graphique : nouvel effacement de l’artiste. C’est enfin dans un matériau grisâtre fait de journaux accumulés qu’Arnaud Bergeret a sculpté le Jeune Garçon, sans fioriture, et Il était une fois. La pierre des cimetières parisiens de Sandra Schmalz entre dans ces mêmes tonalités et le cadrage rigoureux et marqué, l’indifférence hasardeuse à la couleur du film polaroïd, la sérialité dans le traitement du thème, signalent également un retrait de l’artiste qui évacue tout pathos romantique. Quant à Antoine Miserey, l’ensemble ou presque de son travail vidéo baigne dans un gris-bleu qui rassemble dans une sorte de fondu enchaîné les ardoises, la pierre et le bitume parisien, et les plages normandes balayées par une mer grise, sous des ciels bas, lourds, et nuageux. Ce gris est la couleur d’une présence au monde, discrète, un peu mélancolique, qui risque l’effacement, mais sans laquelle aucune autre couleur ne pourrait resplendir. C’est le fond des choses, l’indistinct sur lequel le reste ressort, l’éminence nécessaire aux éclatantes entreprises.

« Ils ont dit des choses. »

A leur manière furtive. Ces artistes ont une conscience vive des temps révolutionnaires et des grands idéaux passés. Leur regard est tourné vers le XIXe siècle, l’anarchisme révolutionnaire, le socialisme utopique, le drapeau rouge non des maoïstes, mais de la Commune de Paris, dont le fantôme blanchi hante le travail de Sandra Aubry et Sébastien Bourg. Mythologies personnelles ? Jeune Création est sise sur la Butte Montmartre surmontée d’un Sacré-Cœur symbole d’expiation selon une lecture religieuse et fanatique de l’histoire que rappelle la Bible d’Arnaud Bergeret (Il était une fois),  pour cette colline qui a vu naître la Commune. Cette Commune, elle nourrit le travail d’Antoine Miserey, de sa vidéo Baisse d’existence (2009) centré sur le mur des Fédérés, à La Danse des Bombes : la course à rollers croise le square Louise Michel (75018), la rue Jean-Baptiste Clément (75018), communards, et Elysée Reclus, penseur anarchiste. Les photographies de Sandra Schmalz prennent place dans ces cimetières parisiens (dont le Père-Lachaise, Montmartre ou Montparnasse) construits au XIXe siècle et nourris de ses figures historiques. Estèla Alliaud dresse une barricade de cendres, lieu de mémoire des révolutions parisiennes (1789, 1830, 1848, 1870) et de leurs incendies, en nouvelle pétroleuse. Le Mea Culpa d’Arnaud Aimé, une Marianne inachevée, fait alors sens. C’est bien la République naissante (la IIIème) qui a massacré les Communards. Comment s’étonner alors que cette République idéalement libre, égalitaire et fraternelle ne soit pas finie, imparfaite, sur le dessin comme dans la réalité, puisqu’entachée de ce bain de sang originel doublé d’une repentance (« mea culpa est ») elle-même coupable ? Vieilles révolutions ? Ne voit-on pas aujourd’hui d’autres révolutions populaires risquer d’être confisquées par des forces conservatrices ?

Car La menace ne venait pas du ciel, ni des grandes idéologies, ni de dieu, et on la voit à peine, dit la quasi invisibilité de la gravure sur verre d’Aubry et Bourg. La menace est plutôt insinueuse, humaine et horizontale comme les strates du Jeune Garçon et de la Bible de Bergeret. Elle se répand dans les pages des journaux, créent des blocs massifs qui marquent (la Bible est marquée au fer rouge) les individus. Il faut donc défigurer le pouvoir médiatique, et c’est ce que fait Koerkel, et agir. L’idéal est celui d’une action furtive, discrète, inscrite dans un territoire, à coup de crayon graphite, de pointe à graver, de polaroïds, de cendres et de pellicule, de rollers et d’image numérique, de pliages. Il est aussi question d’agir en association. On leur souhaite de semer ailleurs ces discrètes et efficaces révolutions.

Emilie Bouvard

Sandra Aubry et Sébastien Bourg / Antoine Miserey

Arnaud Bergeret / Arnaud Aimé

Sandra Schmalz / Yves Koerkel

Estèla Alliaud

Communiqué de presse

To participate, it’s HERE

Du 23 novembre au 7 décembre

Vernissage le mardi 22 novembre à partir de 18h

Prochaine exposition à la galerie Jeune Création, vernissage le 9 décembre

Découvrez cinq récits photographiques par Simone Lueck (États-Unis), Stefano Marchionini(Italie/France), Arnaud Rodriguez (France), Kourtney Roy (Canada) et Ricardo Yui (Pérou/France).

Dédiée à la jeune photographie, l’exposition « Et si demain… » propose à cinq photographes de construire une fiction visuelle à partir de ces quelques mots. Images photographiques se conjuguent alors avec une narration aux possibilités multiples où chacun est libre de livrer une vision intime de son univers. « Et si demain… » met en scène cinq récits photographiques comme un photo-roman épuré ou une courte chronique interprétant la possibilité d’une rencontre ou les incertitudes du lendemain. Chaque artiste propose quelques lignes pour accompagner son récit photographique afin que celui-ci s’articule autour des notions de narrations, d’histoires racontées, suggérées, rêvées.

Arnaud Rodriguez / Ricardo Yui / Stefano Marchionini / Kourtney Roy / Simone Lueck

«Et si demain»
Cinq histoires photographiques racontées, suggérées, rêvées

Galerie Jeune Création

24 rue Berthe 75018 Paris (Abbesses / Pigalle / Anvers)
01.42.54.76.36
Avec le soutien de la Mairie du 18e.

Samedi 5 : Vernissage

19h : remise des prix Jeune Création et Boesner (Place centrale)

20h-23h : Programmation vidéo « Présences Silences » (salle de conférence)

Dimanche 6

17h : Performance : Valores // de Valparaiso à Paris – Clio Simon / Durée : 40 minutes (salle de conférence)

Lundi 7 Fermé

Mardi 8

Luc Barrovecchio (Discussions-rencontres avec le public)

14h-16h « The Work – Part CXLVI : My full comments »

18h-20h « The Work – Part LXXVI : Fair TradeFair » de 18h-20h

14h-17h : Programmation vidéo « Apparitions» (salle de conférence)

18h-19h : Conférence cycle « Art et Création durable » : Lauranne Germond et Loïc Fel (salle de conférence)

Mercredi 9

Luc Barrovecchio (Discussions-rencontres avec le public)

14h-16h « The Work – Part CXLVI : My full comments »

18h-20h « The Work – Part LXXVI : Fair TradeFair » de 18h-20h

14h-17h : Programmation vidéo « Le regard et l’écoute» (salle de conférence)

18h-19h : Conférence cycle « Art et Création durable »  : Philippe Mairesse (salle de conférence)

Jeudi 10

Luc Barrovecchio (Discussions-rencontres avec le public)

14h-16h « The Work – Part CXLVI : My full comments »

18h-20h « The Work – Part LXXVI : Fair TradeFair » de 18h-20h

14h-17h : Programmation vidéo « Errer la ville» (salle de conférence)

18h-19h : Conférence cycle « Art et Création durable » : Emeline Eudes et Guillaume Dimanche (salle de conférence)

Vendredi 11

Luc Barrovecchio (Discussions-rencontres avec le public)

14h-16h « The Work – Part CXLVI : My full comments »

18h-20h « The Work – Part LXXVI : Fair TradeFair » de 18h-20h

14h-17h : Programmation vidéo « Cinémas revisités» (salle de conférence)

16h : Performance : t.HEL / plusieurs perf entre 16h et 17h50 (place centrale)

18h-19h : Conférence cycle « Art et Création durable »  : Sylvain Lamothe et Christelle Blouët (salle de conférence)

20h-23h : Programmation vidéo « Images prélévées» (salle de conférence)

Samedi 12

15h -19h Conférence : Générations et transmission dans l’art du 20ème au 21ème siècle (salle de conférence)

19h : Performances : Conductions / Durée : 40 minutes environ (soirée de finissage avec le soutien de la Fondation d’entreprise Ricard)

20h-23h : Programmation vidéo « Eros» (salle de conférence)

Dimanche 13

15h -17h Conférence : Musique et développement durable / Kiosquorama (salle de conférence)

JUNGLE KIT (archive du film « EXTRACT. Leave the city »), décembre 2004, Malaysie

La première chose qui surprend lorsque l’on consulte le parcours de François Valenza, c’est la pluralité des réalisations auxquelles il a été – de près ou de loin – associé. Diplômé de l’école nationale d’art de Cergy, il est d’abord assistant d’Ange Leccia, puis proche de Xavier Veilhan, qu’il assiste à de nombreuses reprises, et pour qui il participe à plusieurs performances. Proche, aussi, de Sébastien Tellier, le crooner électro, pour qui il réalisera différents documentaires et avec qui il élabore un projet de fiction traitant de métamorphose – un thème récurent dans la production de François Valenza, déclinant notamment son identité pour le biopic « Mesrine », de Jean François Richet.

Pour Jeune Création, l’artiste propose EXTRACT, Leave the city, un film non-narratif dont chacune des trois parties est diffusée à un endroit différent de l’exposition. Réflexion visuelle sur l’errance, la vidéo vient hanter les salles d’une présence fantôme, comme suspendue à un possible dénouement.

Avec Cécile Hesse et Gaël Romier et Atsunobu Kohira

Du 8 au 18 novembre

Vernissage le mardi 8 novembre de 18h à 20h30

Drôle de Temps

Tout a commencé par cette fameuse réplique :

Louis Jouvet – Bizarre, bizarre…

Michel Simon - Qu’est-ce qu’il a ?

L. J.- Qui ?

M. S.- Votre couteau

L. J.- Comment ?

M. S.- Vous regardez votre couteau et vous dites «bizarre, bizarre», alors je croyais que…

L. J.- Moi, j’ai dit «bizarre, bizarre» ? Comme c’est étrange. Pourquoi aurais-je dit «bizarre, bizarre» ?

M. S.- Je vous assure, cher cousin, que vous avez dit «bizarre, bizarre».

L. J.- Moi, j’ai dit bizarre ? Comme c’est bizarre !

Cette réplique est extraite d’un film de Marcel Carné, Drôle de drame. Deux personnages se détestant respectueusement, incarnés par Michel Simon et Louis Jouvet, sont entrain de dîner. Le premier, mal à l’aise de mentir au second, crée des situations rocambolesques, que le second interprète comme étant la preuve de sa culpabilité. La méprise induite par la bizarrerie engendre une lecture tout autre de la réalité, d’un fait relativement banal.

Le point de départ de cette exposition est ce film, plus particulièrement cette réplique. Le fil de mes idées, mon cheminement m’en ont distancé tout en gardant l’empreinte, le goût de cette atmosphère, de ces impressions.

Le temps s’écoule ?… Le temps bruisse ! Il était une fois, un sablier qui donnait à entendre le temps, à l’écouter dans sa durée. Nous installant ainsi dans un espace sonore et visuel. Le temps est suspendu et se donne à entendre comme celui d’un paysage figé par la glace qui crisse.

Nous avons plaisir, en un court instant dilaté, à écouter le temps qui passe et pour renouveler l’expérience il suffit de (re)retourner Soundglass. Atsunobu Kohira nous dévoile la beauté de cet espace indéfini où paraissent se dérouler irréversiblement les existences dans leur changement.

Le temps est aussi suspendu dans les photographies de Cécile Hesse et Gaël Romier : Picnic à l’Ether, Pour le Meilleur et pour le Pire, Talons Epluchés. À la fois sages et violentes, rationnelles et irrationnelles, générant des atmosphères dans un univers réaliste mais détenant un supplément fictif aux regards de nos esprits fantasques.

Tout comme dans Soundglass, c’est le détail de ces artifices qui nous fait basculer de l’autre côté du miroir, ouvrant des échappées vers le rêve aux contours insaisissables, détricotant ainsi nos certitudes, interrogeant notre regard sur ce qu’il croit connaître. Ces œuvres redessinent le monde réel en déplaçant avec poésie la perception de celui-ci. Nous nous trouvons ainsi un rôle en tant qu’acteur dans le théâtre du quotidien en le nourrissant de nos fantasmes.

Leïla Simon

Cécile Hesse et Gaël Romier
http://www.kephyr.fr/

Atsunobu Kohira
http://atsunobukohira.wordpress.com/

Horaires d’ouverture
mercredi 9 novembre et jeudi 10 novembre de 14h à 20h
du vendredi 11 au vendredi 18 novembre de 14h à 19h (fermé le dimanche) ou sur rdv.
contact : leila.untitled@gmail.com / http://www.wix.com/leilasimon4/leilasimon

Galerie Jeune Création

24 rue Berthe 75018 Paris (Abbesses / Pigalle / Anvers)
01.42.54.76.36
Avec le soutien de la Mairie du 18e.

L’édition 2012 vient d’être lancée!
Le thème: LA LIBERTÉ D’EXPRESSION.
RDV sur www.generationpub.fr

• 104 – Cent Quatre
• 24es Instants Vidéo
• Artpress
• artprocess
• Boesner
• Conseil Régional Ile-de-France
• Coton Doux
• Dailymotion
• Illy
• Kiosquorama
• Mairie du 18e
• Ministère de la Culture et de la communication (DGCA)
• Mouvement
• Optoma
• Portraits
• Quartiers d’art
• Slash
• Stipa
• Technikart
• Ville de Paris
• zero deux

La derviche, moteur et bande magnétique, dimensions variables, 2010.

Au cœur de la démarche de Samuel Buckman dans son refus de l’ostentatoire, dans l’humble et silencieuse retenue des gestes qui fondent chacune de ses propositions plastiques comme dans l’entêtement méthodique, fut-il apparemment dérisoire, à les mener jusqu’à leur accomplissement – il y aurait quelque chose que retient l’expression nonchalance obstinée. Samuel Buckman manipule depuis une dizaine d’années tous types de médiums, expérimente les lieux et les espaces. Encore et toujours. Preuve en est cette nouvelle présentation, proposée au 104. Juste l’évidence d’une présence, d’un ici et maintenant, telle la chorégraphie que nous offre La derviche, sensible à son environnement. Un espace comme à ciel ouvert auquel répond le foisonnement des traits colorés tracés à fleur du papier sous l’effet du vent. Une percée que ce grand dessin intitulé Bruissement du vent nous plonge dans ce double mouvement, entrouvert vers l’extérieur, pénétration des éléments environnants. Samuel Buckman ponctue ce dialogue d’un petit texte imprimé au format d’une carte postale, Le bruissement du vent… Intimité du corps et de la nature dans un transpercement. Qu’est-ce qui se donne à voir ici ? Pas grand chose et beaucoup en même temps. Des souffles, des lueurs. Une feuille amoureuse telle La demoiselle élue ; La têtue. Des petits riens qui disent le bonheur de se laisser traverser par le monde, dans la mobilité d’une vision et l’acuité d’un langage. L’art comme une double ouverture, du regard et du sens.

http://samubu.canalblog.com

Rodeo; vidéo HD; 2011.

Filmer, se faire le témoin d’une action particulière, prélever des morceaux du réel et les assembler, donner une autre vision du spectacle en partant du quotidien. Les films de Nicolas Tubéry sont des témoignages subjectifs sans débuts ni fins, la mise en forme d’une manière de voir et d’être face aux choses. Dans sa volonté de rendre compte d’une situation, d’une atmosphère spécifique, il n’hésite pas à confronter les oppositions. Deux approches cinématographiques contradictoires sont utilisées selon les oeuvres, à savoir la mise en scène minutieuse et toutes les contraintes techniques qui y sont liées, et le cinéma direct caméra au poing qui autorise plus de spontanéité. Dans les deux cas, le hors-champ prend une place aussi importante que l’image elle-même, il en devient indissociable pour tenter de saisir les films dans leur globalité. Ce qui est donné à voir n’est qu’une partie de ce qui doit être vu, le spectateur ne peut pas se contenter de regarder passivement, il est conduit à plonger hors du cadre.

Parfois le sujet est ailleurs, comme dans Rodeo où cheval et cavalier sont quasiment absents de l’image, occupée à saisir l’environnement, capter ce qui gravite autour de l’action principale. Ou bien à l’inverse c’est l’ailleurs qui est rendu invisible. Emballeuse nous fait suivre, par plans très rapprochés, chacun des mouvements d’une machine à compacter les bottes de paille. Chaque centimètre carré de l’emballeuse est disséqué par de lents mouvements de caméra. Toute perspective est bannie, pas un aperçu de l’espace alentours ne filtre.

Cette décontextualisation quasi permanente isole les personnes ou les objets pour en faire des centres d’attention inhabituels. On retrouve souvent, comme dans Tsukiji, les techniques propres au cinéma comme le ralenti, l’utilisation d’une bande sonore, la mise en place d’une tension grandissante qui mène au climax. Mais à l’inverse du cinéma ces effets sont vains, ils ne servent pas la narration mais valent pour eux-mêmes, influant sur la manière d’observer l’action qui se joue à l’écran. Ils permettent seulement de déclencher une appréhension chez le spectateur, qui par habitude des images rentre dans l’intrigue et s’attend à un déroulement logique, à une suite qui finalement n’arrive jamais.

Nicolas Tubéry cherche ainsi à retranscrire une vision personnelle, nous montrer une chose sous un angle bien précis pour nous contraindre à regarder de la même manière que lui, en nous invitant à voir au-delà.

Aurélien Pelletier

http://www.nicolastubery.com/

Erreur Maximale Tolérée, 2011, Vue d’exposition, Une proposition, Bruxelles, acier et peinture, 5 pièces de 15×13,5x 5 cm.

La frontière entre l’objet d’art et l’objet de design a toujours été au centre des questionnements d’Eva Taulois. Cette notion est fondamentale dans ses productions et s’appuie sur une hybridation du vocabulaire artistique avec celui du design. Le design se définit comme étant une esthétique industrielle appliquée à la recherche de formes nouvelles et adaptées à la fonction. Il faut dès lors comprendre le rôle caractéristique que joue une chose dans l’ensemble dont elle fait partie. Eva Taulois s’attache à brouiller les repères formels et visuels afin de produire des formes insaisissables. Son travail est donc davantage empreint de ces questionnements que des logiques usuels et ergonomiques inhérentes au design.

Elle aborde les différents moyens de production mise en œuvre dans le processus de création mais également les procédés de fabrication d’une œuvre, quelle soit unique où sérielle. Ces notions de séries donne lieu à des variations. Il y a toujours une forme de départ qui est  l’archétype formel ou bien textuel. C’est le motif générique qui évolue d’une forme à une autre. Elle interroge ainsi le fait de discerner des micros transformations en établissant des classements graduels.

Quelle est la place d’un multiple dans une œuvre?

Comment interroger la standardisation et confronter des formes industrielles et artisanales? Eva Taulois se réapproprie par exemple un savoir-faire traditionnel qui fait partie du patrimoine historique et culturel d’une région. Elle « re-contextualise » ensuite ce savoir-faire dans un ensemble de modules qui proposent – de fait – un nouveau langage plastique.

Née en 1982, vit et travaille à Paris.

Depuis 2008, Marion Alluchon est responsable de l’art contemporain à l’Institut suédois à Paris. Elle est également doctorante en histoire de l’art à l’Université de Paris I-Panthéon Sorbonne et travaille sur la réception critique des artistes naïfs et autodidactes durant la première moitié du XXe siècle. Co-rédactrice des notices d’œuvres et d’artistes pour La Force de l’Art 02, elle poursuit depuis cette date une activité de critique d’art, notamment pour Portraits-La galerie.fr, auquel elle collabore régulièrement. En 2010, elle a aussi assuré le co-commissariat de deux expositions collectives de jeunes artistes, « Sous tension » à l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-arts et « AUTO/Portraits » à la galerie Jeune Création.

Franck Balland est commissaire d’exposition et critique indépendant. Il a réalisé un master 2 recherche histoire de l’art à l’Université de Bourgogne et un master 2 pro critique-essais à l’Université Marc Bloch de Strasbourg. A partir de 2009, il est médiateur culturel à l’Institut d’art contemporain de Villeurbanne où il rédige les notices de présentation des oeuvres et des artistes. Il organise également les parcours pédagogiques. Il poursuit également son travail d’écriture en écrivant sur des artistes tels que Claude Lévêque, Tadashi Kawamata, Matt Mullican, Jeremy Deller ou Sam Durant. Il étend désormais ses recherches au médium de l’exposition, en s’intéressant autant à des questions de process qu’à une réflexion sur la nature ontologique des oeuvres d’art.

Aurélie Barnier est historienne de l’art et critique. Elle prépare un doctorat d’Histoire de l’art contemporain autour de « la question de l’intégration des arts en Europe et aux États-Unis, 1946-1963 ». D’abord enseignante à l’Université, elle intervient aujourd’hui en école d’art. En 2009, elle est chargée de médiation pour La Force de l’Art 02. L’année suivante, elle est chargée de la publication 196 résidences en France et est actuellement responsable de la médiation pour Nuit Blanche à Paris. Membre de l’AICA, Aurélie Barnier participe à de nombreux colloques et écrit régulièrement sur le travail de jeunes artistes comme Sophie Gaucher ou Delphine Pouillé, ainsi que dans des catalogues d’expositions tels que « Gérard Garouste et les enfants de La Source» ou « Vues d’architecture, l’architecture photographiée ».

Floriane Benjamin a réalisé un master 1 pro « Métiers des Arts et de la culture » et un master 2 pro « Sciences et techniques de l’exposition » à l’Université de Paris I – Panthéon Sorbonne. De 2007 à 2010 elle est médiatrice au Palais de Tokyo ; intervient dans le secteur de l’action éducative et de la médiation ; dans le service des relations avec les publics et du développement des publics ; dans le département de la production et de la coordination des évènements. Elle assiste en stage Julie Pellegrin, directrice du centre d’art de La Ferme du Buisson.

Après un master 2 recherche en muséologie à l’Ecole du Louvre, Raphaële Coutant a étudié le mandarin à l’Université Normale de Taïwan à Taipei. Elle réalise la programmation de vidéos d’artistes asiatiques au sein du collectif What’s up Tigerlilies. Ses recherches autour de la mise en exposition des vidéos rejoint son intérêt pour le le cinéma expérimental et le théâtre contemporain. Actuellement elle est chargée de coordination pour l’exposition « Jikken kobo » au Centre d’art Bétonsalon à Paris.

Pauline Guelaud est depuis 2006 chargée de production pour l’art contemporain et assistante de programmation au musée du Louvre. Après une maîtrise de conception et mise en oeuvre de projets culturels à l’Université de Paris VII, elle est diplômé d’un master 2 Pro « l’art contemporain et son exposition » à l’Université de Paris IV – Sorbonne. En 2005, elle assiste Marc Sanchez, directeur des programmes au Palais de Tokyo. Elle est co-commissaire d’expositions : Please Wait à partir de la collection du Frac Ile de France ; Au-delà des apparences, Centre Culturel Christiane Peugeot, Paris ; Conversations à l’ Ecole Nationale Supérieure des Beaux-arts de Paris… Elle poursuit également une pratique d’écriture en contribuant à diverses revues (Roven, La Gazette Drouot…) ou à des catalogues d’expositions tels que ceux des expositions Contrepoints.

Leïla Simon est commissaire d’exposition indépendante.Après un master 2 recherche d’Histoire de l’architecture et de l’art à Panthéon-Sorbonne et à l’école du Louvre, elle travaille en tant que coordinatrice d’exposition pour La Force de l’Art 02 (LFDA02) au Grand Palais à Paris. Actuellement elle travaille à la Galerie Jean Fournier. En 2008, elle crée avec Kana Sunayama le collectif de commissaire d’exposition Untitled. Dans le cadre Les Invités de LFDA02 elles ont présenté deux performances La cerise sur le gâteau d’Asami Nishimura et . _ . . de Bérengère Valour et Joris Rühl. En 2009, elles sont les commissaires de l’exposition personnelle de Antoine Aguilar, Mediatic Desert, à Eac Les Roches. En 2010, elles sont invitées par l’Espace Brochage Express où elles organisent l’exposition Untitled / 1:1 avec Eden Morfaux, Clio Simon et Whiteweekendkites. A cette occasion, elles présentent Rosé, performance de Asami Nishimura. Depuis 2002, Leïla Simon co-organise les expositions ainsi que des évènements de l’Espace d’art contemporain Les Roches. En 2011, elle est la commissaire de l’exposition personnelle de Kyoko Nagashima, Dual.

Kana Sunayama est commissaire d’exposition indépendante. Après des études de Commerce à Kyoto (Japon), elle réalise une licence d’histoire de l’Art à l’Université Lyon II puis à l’Université Paris IV -Sorbonne. De 2005 à 2010, elle est assistante à la Galerie Nathalie Obadia à Paris. Depuis 2006, elle publie des articles sur la scène de l’art contemporain en France pour les acteurs du monde de l’art contemporain au Japon. En 2008, elle crée avec Leïla Simon le collectif de commissaire d’exposition Untitled. Dans le cadre Les Invités de La Force De l’Art 02, elles ont présenté deux performances La cerise sur le gâteau d’Asami Nishimura et . _ . . de Bérengère Valour et Joris Rühl. En 2009, elles sont les commissaires de l’exposition personnelle de Antoine Aguilar, Mediatic Desert, à Eac Les Roches. En 2010, elles sont invitées par l’Espace Brochage Express où elles organisent l’exposition Untitled / 1:1 avec Eden Morfaux, Clio Simon et Whiteweekendkites. A cette occasion, elles présentent également Rosé, performance de Asami Nishimura. En 2011, Kana Sunayama a organisé l’exposition-vente de charité Help for futur of Japan à la Galerie Premier Regard à Paris. De 2011 à 2012 elle est commissaire des expositions au Château de Fère (Picardie).

Claire Valageas est chargée d’étude  en section art contemporain au Centre Interrégional de Conservation et restauration du patrimoine à Marseille. Après une licence d’histoire de l’art et un master 2 Pro « Physique appliquée aux matériaux du patrimoine culturel » à l’Université Michel de Montaigne à Bordeaux, Claire Valageas s’est spécialisée dans la conservation et la restauration des oeuvres d’art contemporaines. Actuellement elle étudie le comportement des peintures fluorescentes et phosphorescentes. Les résultats de ces études font l’objet de présentation lors de colloques internationaux spécialisés dans la recherche en art contemporain.

Au-delà des vidéos d’artistes à découvrir au cours de la visite, Jeune Création invite les 24es Instants Vidéo Numériques et Poétiques qui organisent chaque année depuis 1988 à Marseille, en automne, un festival international de la création vidéo et multimédia.

Ce festival se déroule en novembre et se décline dans différents lieux : « Marseille est notre terre d’enracinement, notre piste d’envol et notre territoire d’accueil ». L’ensemble des territoires qui accueillent une partie de l’événement constitue une constellation poétronique intercontinentale.

Cette année, sans que cela constitue un thème restrictif, les Instants Vidéo questionnent à leur manière les bouleversements sociaux et politiques des pays du sud méditerranéen où nous sommes depuis plusieurs années très impliqués. En effet, notre association a notamment accompagné la naissance de nouveaux festivals au Maroc, en Palestine, en Syrie, en Egypte…

Nous souhaitons nous poser la question des Révolutions Poétiques en émettant l’hypothèse qu’une révolution des langages est nécessaire pour créer de nouvelles formes de pensée, de nouvelles organisations sociales, de nouvelles sensibilités. Nous pensons qu’aujourd’hui plus que jamais, l’art vidéo (ou la poésie électronique) a un rôle fondamental à jouer car elle entraîne dans son sillage et l’écrit et l’image. Une forme poétique n’existe que pour créer des vertiges, inventer des solutions à des problèmes que personne ne se pose, fragiliser nos certitudes.

Pour notre participation à Jeune Création, nous avons imaginé un parcours en sept points, sept étoiles comme pour la constellation de la Couronne boréale, joyau offert à Ariane (fille du roi Minos) par Dionysos, divinité du débordement. Nos sept étoiles s’appelleront Présences Silences, Apparitions, Le regard et l’écoute, Errer la ville, Cinémas revisités, images prélevées, Eros. Derrière ces noms se cachent des œuvres en provenance de Croatie, Russie, Suède, France, Israël, Canada, Islande, Italie, Allemagne, Japon, Finlande, Autriche, Grande-Bretagne, Inde, USA, Serbie, Pologne, Espagne… Tout un monde, en somme.

Marc Mercier

24es Instants Vidéo / www.instantsvideo.com

PRESENCES SILENCES / Samedi 5 novembre – Vernissage 20h

Transformance de Nina Kurtela (Croatie, 2011) 9’45

Hold me closer de Mikhail Torich (Russie/USA, 2008/09) 4’18

Untitled de Jennyfer Haddad (France/Israël, 2010) 1’

The last dance de Eva Olsson (Suède, 2009) 1’25

Papillon / bacon de Caroline St-Laurent (Canada, 2011) 10’18

Butter cow de Jun’ichiro Ishii (Japon, 2011) 6’28

This art piece was seeking my reflection de Urssa Severa (Russie, 2011) 3’20

APPARITIONS / Mardi 8 novembre de 14 à 17h

Deathbed de Sigurdur Gudjónsson (Islande, 2006) 22’ en boucle

LE REGARD ET L’ECOUTE / Mercredi 9 novembre de 14 à 17h

E.4 lights de Cristina Pavesi (Italie, 2011) 2’06

Paper Moon, Cardboard Sea de Valerie LeBlanc (Canada, 2011) 1’19

Gravité de Renaud Hallée (Canada, 2009) 2’

Sonar Renaud Hallée (Canada, 2009) 2’38

When we are in heaven de Daniela Risch (Allemagne, 2008) 4’

Dissonanz de Fumiko Matsuyama (Japon, 2010) 1’

Skreeeeeetch de Marte Kiessling (Allemagne, 2006) 2’

Cars melody de Jean-Michel Rolland (France, 2011) 5’32

Ramasse de Pascal Marc (France, 2011) 2’39

Vie Coye (Citron) de Eeva-Mari Haikala (Finlande, 2010) 0’30

aim de Benna (Italie, 2008/2010) 4’20

1862 de Philippe Rouy (France, 2011) 7’15

Spin- Readymade de Christine Schörkhuber (Autriche, 2011) 8’

ERRER LA VILLE / Jeudi 10 novembre de 14 à 17h

À l’errance de Jacynthe Carrier (Canada, 2010) 5’

I Saw Something… In The Street Last Night de Elliot Storey (Angleterre, 2011) 9’

Sabra et Chatilla Poème de Marc Mercier (France, 2011) 12’35

Jim Dirty Runs de Denis Clarac (France, 2009) 3’

Closed Circuit (In the middle of Sweden) de Mattias Härenstam (Suède, 2011) 3’

Swimming Around de Suman Samajpati, Sourav Roy Chowdhury [TAXI] (Inde, 2009) 2’35

Scattered… wide de Henry Gwiazda (USA, 2005) 5’38

Dover : Douvres de Sharon Haward (Angleterre, 2009) 6’36

CINEMAS REVISITES / Vendredi 11 novembre de 14 à 17h

Hands de Bob Kohn (France, 2009) 2’26

The end de Bob Kohn (France, 2009) 3’11

Oscilloscope 1 – Physique de l’Evangile de Dania Reymond (France, 2010) 8’03

Les plis de l’âme de Silvio Cadelo (Italie,  2010) 6’15

Remake de L. Ashwyn Collins (USA, 2010) 3’30

Tatitude de Vivian Ostrovsky (USA/France, 2009) 3’40

The Spectres of Veronica de Dalibor Baric (Croatie, 2011) 4’

Vortex de Gennaro de Pasquale (Canada, 2010) 12’08

IMAGES PRELEVEES / Vendredi 11 novembre de 20h à 23h30

Television World 132 de Frank Bubenzer (Allemagne, 2009) 12’11

Sans titre (hommage à la télévision analogique) d’Agnès Quillet (France, 2008) 0’59

Fukushima mon amour de Andrej Tisma (Serbie, 2011) 2’57

Sleep Deprivation will be televised de Ellen J. Wetmore (USA, 2009) 0’25

Black T de Przemek Wegrzyn (Pologne, 2010) 6’32

Au contraire de Anne-Sophie Kuntz (France, 2010) 4’05

Air pocket de Keren Zaltz (Israël, 2010) 2’25

The Web de Alessandro Amaducci (Italie, 2007) 7’

Inspecteur Ruiz(z) en Chine de Denis de Lapparent (France, 2010) 9’26

EROS / Samedi 12 novembre de 20h à 23h30

Beneath watch Beside de Cristobal Catalan Giraldez (Espagne, 2011) 8’24

The Cat de George Ungar (Canada, 2010) 2’42

The Dream Life of Cleo de Merode de Julian Semilian (USA/Roumanie, 2010) 14’38

Ecstasy of St. Agnes de Slawomir J Milewski (Pologne, 2010) 20’30

Née de la passion pour la pédagogie et la transmission, l’association Reg’art de Paris est engagée dans la médiation des arts plastiques et dans la promotion des artistes contemporains.

Avec l’histoire de l’art comme fil rouge, Reg’art de Paris propose de s’imprégner de la création contemporaine. Au programme : visites d’ateliers d’artistes, de galeries, de musées et organisation d’ateliers d’arts visuels. Les rencontres avec les artistes, les galeristes et avec Francesca Mongale, conceptrice de projets pour le jeune public, donnent à voir l’art sous ses mille visages. Reg’art de Paris est une petite équipe formée autour d’un enjeu : transmettre avec un esprit généreux, pointu et qualitatif.

En collaboration avec le service des publics du CENTQUATRE, l’équipe de médiation mettra l’accent sur les ateliers jeune public qui rencontrent l’adhésion des plus jeunes et permettent une sensibilisation à l’art contemporain par l’écoute et la manipulation. Différentes approches seront également proposées au public adulte pour découvrir l’exposition dans son ensemble ou en approfondir certains aspects. Enfin, des médiateurs seront à la disposition du public dans les espaces d’exposition.

Public adulte :

Visite de l’exposition : Les médiateurs proposeront quotidiennement des itinéraires qui donneront au spectateur une vision globale de Jeune Création 2011.

Dimanche 6 : 14h, 16h, 18h30

Mardi, Mercredi, Jeudi : 13h, 17h

Vendredi 11, Samedi 12: 13h, 15h, 20h

Dimanche 13 : 14h, 17h

Visite ZOOM : Le discours du médiateur se concentrera sur une oeuvre de son choix. Le médiateur proposera des clés afin que le spectateur ait la possibilité d’aborder certains aspects et médiums de l’art contemporain, ainsi que l’univers d’un artiste.

Dimanche 6 : 13h30, 15h30, 18h

Mardi, Mercredi, Jeudi : 14h30, 16h30

Vendredi 11: 14h30, 17h30, 20h

Samedi 12 : 14h30, 18h30

Un artiste / Une oeuvre : L’organisation de rencontres avec les artistes est une nouveauté pour l’édition 2011. Reg’art de Paris organisera des rendez-vous qui se dérouleront sous forme d’échanges, de questions/réponses entre l’artiste et les visiteurs.

Dimanche 6 : 14h, 16h, 18h

Mardi 8 : 16h, 19h

Mercredi 9 : 16h, 18h

Jeudi 10 : 16h, 19h

Vendredi 11 : 13h, 14h, 19h, 20h

Samedi 12 : 13h, 14h, 20h

Dimanche 13 : 14h, 17h, 18h30

Pour les enfants :

Visite public scolaire : Une visite guidée adaptée à l’âge des enfants sera proposée aux classes de façon à donner aux enfants la possibilité d’aborder des nouveaux langages artistiques et de se familiariser à l’expression artistique contemporaine. Une approche ludique sera privilégiée, et pour les plus petits (école maternelle), des visites contées seront mises en place.

Publics individuels : Les enfants pourront profiter d’un « jeu de piste » qui les laissera libre de vivre à leur façon l’expérience de visite et de découvrir à leur rythme l’exposition.

Ateliers : Des ateliers découverte seront organisés pour les publics scolaires comme pour les petits en visite individuelle, afin de permettre aux enfants de vivre une expérience de création et d’explorer par une approche sensorielle les différentes pratiques artistiques.

Un artiste / Une oeuvre : Les plus jeunes pourront aussi profiter de la rencontre avec les artistes. Ce moment d’échange permettra aux enfants de pouvoir découvrir de l’intérieur le processus de création d’une oeuvre d’art.

Pour le jeune public individuel, visites et ateliers: dimanche 6, vendredi 11, samedi 12 et dimanche 13 novembre (réservations: jeunecreation@gmail.com)

Pour les 4/6 ans : visite d’1h à 11h et 16h30

Pour les 7/12 ans : visite/atelier de 2h à 14h et à 16h

CONDUCTIONS

Un programme de performances proposé par David Zerbib

Samedi 12 novembre à 19h.

Durée : 40 minutes environ.

« Sur l’invitation de Jeune Création, le projet Conductions introduit dans l’édition 2011 une forme d’attention nouvelle à la pratique de la performance. En marge de cette exposition internationale d’art contemporain, une dizaine de jeunes artistes interviendront en actes, en gestes, en situation, en présence ou non, selon ce régime problématique de formes actives, dynamiques et vivantes qui caractérisent la performance. Mais plutôt que d’avaliser le regain d’intérêt actuel dont témoigne le monde de l’art à l’égard de ces formes fragiles en les structurant dans une sorte de mini festival off, où des interventions artistiques se succéderaient, ça et là, au fil du temps et des lieux disponibles, Conductions propose de faire varier les paramètres de l’événement ou de l’exposition de la performance contemporaine. De manière expérimentale, il s’agira en effet de remettre en jeu l’hypothèse de la simultanéité qui a tant présidé, historiquement, à l’origine de la performance et du happening. Cependant, les performeurs ne partagent pas ici de projets artistiques communs, bien qu’ils soient appelés à intervenir ensemble. Simplement, tout se déroulera en même temps, au même endroit, tel sera le programme intensif de ce festival d’un seul rendez-vous.

Conductions provoquera une situation critique, au même moment, en un seul espace. Unité de temps, unité de lieu, mais non d’action. Toutes les performances auront lieu en même temps ; toutes auront temps en même lieu. La structure linéaire de la focalisation de l’attention sera alors déprogrammée au profit d’une forme de simultanéité. Non pour retrouver le théâtre synthétique des futuristes : au fond, celui-ci visait derrière la profusion proclamée la convergence ultime d’un idéal dynamique moderne, unitaire sinon totalitaire. Là, ce sera pour mettre à l’épreuve les paramètres de la spectacularité en dérangeant la focale, en la diffractant, en la décentrant, en la rendant clignotante. Pour varier les points, les rythmes, les directions, les strates et les intensités de ce qui arrive : des formes, des corps, des signes et des vies qui arrivent. Pas d’unité de style, de genre, de nature entre les performances ; chacune possédera sa singularité propre, son autonomie relative, sa conduite esthétique, mais toutes entreront en rapport comme dans un monde faussement global et, d’un coup, véritablement décloisonné, se révélant commun mais sans synthèse. À la faveur des contiguïtés de champs de forces, le spectateur opérera lui-même les liens, les connexions vivantes, les conductions provisoires ».

David Zerbib

Conductions s’inscrit notamment dans le prolongement de collaborations et de recherches menées avec de jeunes artistes et théoriciens au sein du LAAC, Laboratoire Acte Archive Concept, Unité de recherche de l’ESAAA, Ecole Supérieure d’Art de l’Agglomération d’Annecy.

Artistes intervenants pressentis :

Vincent Betbèze, Aurélie Briday, Natacha Cabret, Jérémie Dauliac, Carole Douillard, André Fortino, Didier Hebert-Guillon, Olivier Lecreux, Romina De Novellis, Amandine Zaïdi…

Avec le soutien de la Fondation d’entreprise Ricard.

D’autres performances seront proposées pendant l’exposition:

Luc Barrovecchio, artiste de la sélection 2011, présentera « The Work – Part CXLVI : My full comments » de 14h à 16h du mardi au vendredi et « The Work – Part LXXVI : Fair TradeFair » de 18h à 20h du mardi au vendredi.

Le collectif de curateurs Untitled invitera également Clio Simon à présenter la performance VALORES // De Valparaiso à Paris, second volet de Valores, installation vidéo satirique réalisée et exposée au sein même de la Bourse de Valparaiso.

À son retour du Chili, Clio Simon revisite le dispositif de cette installation. Présente au moment du retour de la droite chilienne au pouvoir, et du séisme de 2010, elle articule son projet autour de la question du vol, de la fraude et des valeurs.

Clio Simon met en scène une dramaturgie de la manipulation, en abordant la question de l’invention et de la mise en place de commerces divers. Pour la traduction de ce second volet, pas de sous-titres. Face aux spectateurs, derrière un pupitre : le Bonimenteur. Sur scène, deux espaces-temps se contaminent, celui du film (Chili) et celui de la représentation (France).

« VALORES // de Valparaiso à Paris », sur une proposition de Leïla Simon du collectif curatorial Untitled.

Auteur et réalisatrice : Clio Simon / Dimanche 6 novembre à 17h, Durée : 40 minutes

http://www.wix.com/cliosimo8/cliosimon

t.HEL proposera une série de performances, vendredi 11 novembre entre 16h et 18h

(ici et là -)(ensuite et là)( )(dis là)

est sous-titré.

(    ) (                ) (ici et là – je dis ici)

Conception : Gabriel Hernández

Avec: Virginie Cincet et Jean-Christophe Kerourédan

Christian Globensky, plasticien et professeur à l’Ecole d’Art de Metz Métropole, coordonnera un cycle de conférences sur le thème « Art et Création Durable ».

« Partant de l’idée que le « local » se confronte toujours au « global », que la mondialisation contemporaine se mesure et se qualifie à l’aune de la sphère privée de l’individu, on considèrera dans ce cycle de conférences tous types d’activités créatives participant à reconsidérer notre mode de vie individuel, afin qu’il s’inscrive dans une perspective globale et éco-durable. Nous verrons que ce travail de militantisme s’inscrit dans une démarche d’art et de création durable, dans laquelle les réalisations des artistes d’aujourd’hui peuvent et doivent avoir une incidence à long terme sur notre monde globalisé. Nous interrogerons donc l’exercice de la citoyenneté confrontée à la société de l’information où l’expérience des catastrophes reproduites en boucle, comme spectacle de l’information, peut parfois confronter le citoyen autonome à une situation dans laquelle toutes les opinions existantes échouent, voire, malheureusement, le contraindre à ne plus souhaiter avoir d’opinions, tant il en a assez du marché d’idée d’opinions instaurant un régime de la peur. Et c’est bien ici que l’artiste citoyen entre en jeu.

Les réalisations des artistes d’aujourd’hui ont une incidence sur notre monde globalisé. Nous prenons conscience avec eux que nous sommes tous embarqués, embarqués à bord de notre vaisseau-terre, dont nous devons contrôler les réserves d’énergies, maintenir à température constante et surveiller la qualité de l’air respirable. Il en va tout simplement de la survie de notre humanité. Il nous faut donc partir de ce que les artistes instaurent, entrer de plain-pied dans la singularité des oeuvres et leurs environnements, en extraire ce qui attire l’attention, attise la prise de conscience.

Dans notre actuelle post-culture des Lumières, du moins depuis Nietzsche, nous savons que les vérités scientifiques et philosophiques ont acquis un statut de simple opinion — ce que Gilles Deleuze appelle des « idées d’opinion » — et que la prétention aux vérités dites scientifiques est essentiellement dictée par la distance qui sépare notre actuelle connaissance de notre ignorance latente. Sitôt proclamées, elles peuvent donc être déconstruites et déconsidérées l’instant qui suit. Or, si les artistes sont souvent comparés à des sismographes, ils n’en construisent pas moins, comme les chercheurs, des modèles où la manifestation et l’effet de leurs compétences sont exposés, traduisant ainsi une nouvelle aventure intellectuelle.

Plus que jamais l’opinion des artistes nous est nécessaire, plus que jamais l’artiste est cette figure du funambule surplombant le gouffre qui sépare la maîtrise objective et scientifique des opinions de celles menant aux risques idéologiques — l’obscurantisme de destruction massive émanant des opinions dites surnaturelles et religieuses, totalitaires et fascistes, mercantiles et égoïstes — et où la science y serait représentée comme un champ de bataille dont l’issue des conflits dépend des seuls rapports de forces, d’intérêts financiers et gouvernementaux. Le temps présent est à la peur, à la menace, voire à la terreur quand un risque terroriste s’ajoute aux précédents, les efface pour les faire réapparaître l’instant d’après, telle une série d’accidents en cascade. Cette menace multirisque, comme on dit d’une assurance, les artistes la ressentent. Ils éprouvent cette peur et subissent la terreur devant ces événements catastrophiques où notre environnement semble s’autodétruire, imploser pour se retourner contre nous. Que peut l’artiste face à ce nouvel environnement ? Dans quelle mesure, nous en imprégnions nous et nous en protégeons nous ? Que répondent la science et la philosophie contemporaines à ces questions ? Quel est le statut de ces opinons propagées à travers les masses médias, qu’elles émanent d’autorités scientifiques, religieuses ou gouvernementales ? Quel rôle idéologique jouent aujourd’hui les médias numériques de masse au sein de notre humanité augmentée ?

Autant de questions auxquelles ce cycle de conférences « Art et Création Durable » — cycle ACD — tentera d’apporter des réponses théoriques et des propositions plastiques. Des réponses dans lesquelles les réalisations des artistes d’aujourd’hui peuvent et doivent avoir une incidence à long terme sur notre monde globalisé. Partant de l’idée que le « local » se confronte toujours au « global », que la mondialisation contemporaine se mesure et se qualifie à l’aune de la sphère privée de l’individu, on pourrait considérer l’art comme création durable, comme prolongement de l’aphorisme de Robert Filliou : « L’art est ce qui rend la vie plus intéressante — et plus résistante — que l’art ».

©globensky

PROGRAMME

Mardi 8 novembre de 18h à 19h, Lauranne Germond et Loïc Fel, membres fondateur de COAL, coalition pour l’art et le développement durable, association qui rassemble des professionnels de l’art contemporain, du développement durable et de la recherche. Loïc Fel — philosophe et responsable du développement durable chez BETC Euro RSCG – développe une réflexion sur les enjeux environnementaux par une appréhension de la nature qui a pris la forme d’une théorie sur la perception esthétique : « l’esthétique verte ». Au-delà de l’exploration des expressions des artistes, c’est la fonction et le champ social de l’art lui-même que l’écologie interroge et remet en cause. Lauranne Germond — commissaire d‘exposition, co-fondatrice de COAL – Commissaire d’exposition spécialisée sur le développement durable, elle oeuvre depuis plusieurs années à la création d’une « coalition pour l’art et le développement durable » : COAL favorise l’intégration de l’artiste au sein d’un réseau de parties prenantes sur les enjeux sociétaux et environnementaux.

Mercredi 9 novembre de 18h à 19h,  Philippe Mairesse, artiste, directeur d’Accès Local, mène un projet consistant à transposer les démarches créatrices des artistes dans le domaine de l’entreprise. Philippe Mairesse — Artiste et entrepreneur – Ingénieur de formation (Télécommunications), puis plasticien, il mène des activités d’artiste, d’entrepreneur, et de consultant. Il interroge ainsi la notion de valeur, entre individuel et collectif, subjectivité et connaissance, participation et critique par le développement de nouvelles théories et méthodes de conseil aux entreprises.

Jeudi 10 novembre de 18h à 19h,  Emeline Eudes et Guillaume Dimanche ; si l’une œuvre à faire connaître les arts nordiques par le biais de la revue ARTnord, dont elle est rédactrice en chef, lui, plasticien, relie à vélo Paris à Copenhague, distants de 1300 kilomètres, au moment de la Conférence des Nations Unies sur le changement climatique (Copenhague 2009),  se positionnant en contradiction avec les moyens de transport communément utilisés.

Vendredi 11 novembre de 18h à 19h,  Sylvain Lamothe et Christelle Blouët. En tant que chargé de mission culture de la Mairie du 18^e, Sylvain Lamothe interrogera avec Christelle Blouët (coordinatrice du Réseau Culture 21) les notions liées à la citoyenneté participative et les rapports complexes qu’elles entretiennent avec la culture et le politique.

Générations et transmission dans l’art du 20ème au 21ème siècle

Une proposition de l’association Portraits

Samedi 12 novembre de 15h à 19h

« Jeune Création », après « Jeune Peinture » expose de jeunes artistes, Portraits défend des artistes dit « émergents » et de fait souvent nés après 1980. Mais que veut dire « jeune » ? Quand commence-t-on à ne plus l’être et que cela signifie-t-il pour un artiste, dans un monde souvent accusé de « jeunisme » ? Notre propos dans cette série de conférences est de s’intéresser à l’autre bord de la vie, et aux relations entre « jeunes artistes » et artistes confirmés, voire d’aborder la question très taboue en art comme dans le reste de la société, du grand âge et de la création : après « jeune création », que dire de la création « vieille » ?

Marion Alluchon, Emilie Bouvard, Constanze Fritzsch, Constance Moréteau et Camille Paulhan sont critiques d’art à Portraits, elles sont aussi doctorantes en histoire de l’art contemporain.

www.portraits-lagalerie.fr

Programme :

- Emilie Bouvard, Louise Bourgeois, portrait de l’artiste en vieille dame, le cas de l’émergence tardive. Louise Bourgeois s’est imposée sur la scène artistique new yorkaise après ses 70 ans. L’Old Age Style, un privilège d’artiste femme?

- Constanze Fritzsch, The New Old Surrealists, « ces bons vieux surréalistes », ou la transmission de la révolution, ou le rajeunissement d’une vieille tradition artistique révolutionnaire dans les années 1950.

- Camille Paulhan, Le « vieux » dans l’art contemporain, une conférence avec des rides au coin des yeux, ou l’étude dans l’art actuel d’une figure oubliée : la personne âgée, ou plus précisément le vieux ou la vieille.

- Constance Moréteau, Les publics âgés de l’art contemporain, la question de la médiation pour un public oublié, celui des personnes âgées.

- Marion Alluchon, Table ronde : Maîtres et élèves ? la question de la transmission dans la création artistique: quelle peut être la nature des relations entre le jeune artiste, étudiant à l’Ecole des Beaux-arts par exemple et son professeur, artiste également ? (Avec des artistes de la sélection Jeune Création 2011)

Jeune Création / Eco-Festival musical Kiosquorama

Musique et développement durable

Dimanche 13 novembre de 15h à 17h

GreenSinging et productions culturelles éco-responsables : poudre aux yeux ou mesures concrètes ?

Avec : Eric Garnier (Alter-Eco), Arnaud Hiltzer (10 :10, Action Carbone, Good Planet), Frantz Steinbach & David Barriquault (Eco-Festival Kiosquorama), Nicolas Prechet (France 3 – TBC), Mike Ibrahim (Artiste – TBC), Parcs & Jardins de la Mairie de Paris.

Cette conférence vous donnera toutes les clefs pour comprendre la place du développement durable dans une économie en pleine mutation : l’industrie musicale.

Avec un acteur majeur représentant l’ensemble des métiers du secteur, venez entendre des témoignages et interroger les participants sur leurs initiatives afin de découvrir si, en 2011, le développement durable a enfin sa place dans ce secteur.

Petròleo, installation in situ d’origami, papier Canson noir, 25×45 cm chacun.

www.leilarosewillis.com

La Compression—le livre de Twitter, « L’oeuvre d’art à l’époque de sa reproductibilité technique », 2010, Papier photo, Plexiglas, bois, métal, 49,6×8,7×18,2 cm.

Aujourd’hui, l’exemple le plus typique est Twitter. L’une de ses spécificités est que chaque message compte un maximum de 140 caractères, ce qui permet de faire circuler les informations plus rapidement.

En Octobre 2009, 2 garçons américains ont commencé à mettre des livres classiques sur Twitter. Chaque livre célèbre a été résumé dans une phrase qui contient bien sûr un maximum de 140 caractères.

Donc j’ai réécrit un livre de Walter Benjamin, « L’oeuvre d’art à l’époque de sa reproductibilité technique », de manière à ce qu’il corresponde aux critères de Twitter. Chaque page est constituée d’une seule phrase qui inclut un maximum de 140 caractères. J’ai compressé les lettres dans chaque rangée horizontale. Alors elles se transforment en petit point noir illisible.

L’époque de l’explosion de l’information est aussi l’époque de la compression. Face à trop d’informations, on essaie de résumer, raccourcir, simplifier tout ; afin d’économiser du temps, de connaître plus. Mais on s’arrête toujours au niveau de « connaître » (pas au point de « comprendre »). C’est une méprise de penser que «connaître» c’est « comprendre».

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