Exposition collective du 10 décembre au 14 janvier

Finissage le samedi 14 janvier à partir de 16h

Avec:

Arnaud Aimé / Estèla Alliaud / Sandra Aubry et Sébastien Bourg / Arnaud Bergeret / Yves Koerkel / Antoine Miserey / Sandra Schmalz

« Ils ont dit des choses. Ils ne m’ont pas dit grand-chose. Ils sont partis. »

Céline, Mort à crédit, incipit.

A Rebours

Arnaud Aimé, Estèla Alliaud, Sandra Aubry, Arnaud Bergeret, Yves Koerkel, Antoine Miserey et Sandra Schmalz quittent le bureau de Jeune Création. J’ai pu les voir à l’œuvre, en pleine action et en pleine création, pendant deux ans. C’est en témoin que je remonterai le temps des trois phrases qui les rassemblent.

« Ils sont partis. »

Ils sont sur le départ. Les œuvres parlent de déplacement et de disparition. La danse des bombes d’Antoine Miserey s’ouvre sur des images d’avion à l’embarquement. Apparaissent à l’écran quelques phrases tapées à la machine, tirées à peu près de Bonnie and Clyde de Serge Gainsbourg : « comment ils ont vécu/comment ils sont morts », qui commentent les déplacements des foules de places publiques en stades de foot, espaces à la fois vides et pleins, et traversés par l’ombre de l’artiste – déjà plus là – en rollers. Cette ombre file comme l’eau dans les caniveaux, à la fois présente et absente au monde, comme cette plume qui frôle un trottoir.

Et ils meurent un peu, comme dit le proverbe, et s’éparpillent comme les visages fragmentés d’Yves Koerkel. C’est la tristesse du départ. Antoine Miserey nous convie à une danse des bombes, d’une déclaration de guerre à l’autre. Les images d’enfouissement abondent dans sa vidéo (pelleteuses, gravats), quand Arnaud Aimé expose un gisant, renouant ainsi aussi avec l’histoire, la mémoire des hommes et l’art ancien. Estèla Alliaud travaille avec la cendre, si poétique, si funèbre et si fragile, pour construire un obstacle éphémère. Le Jeune Garçon d’Arnaud Bergeret, en corps pompéien solidifié, semble vaticiner. Aveugle aux yeux clairs, blanc comme le hasard de la fabrication, il s’apparente aussi à une Pythie antique, à un Tirésias prophétisant du fond des Enfers, sans âge, ni sexe, au babil aussi incertain qu’un journal contemporain.

« Reddition ou rémission ? », interroge le drapeau de Sandra Aubry et Sébastien Bourg. Sépulcres blanchis ou pansement, pour ce drapeau cassé et trempé dans le plâtre ? Paix nouvelle ou blancheur de l’absence ? Sandra Schmalz avec L’eau de Paris, montre ce paradoxe : la vie jaillit de ce sol si spécial qu’est celui des cimetières parisiens.

« Ils ne m’ont pas dit grand-chose. »

Car ils sont discrets. Cette éthique de la discrétion est d’abord celle du nuancier de gris. Gris quasi monochrome des photographies d’Estèla Alliaud, qui rappelle au passage que la photographie peut être pensée comme un effleurement de lumière quasi immatériel, à l’image de ces cendres qui hésitent entre l’air et la matière. Graphite virtuose d’Arnaud Aimé pour le modelé de Mea Culpa en oppositions de valeurs, de la chair au drapé de marbre. Le dessin est inachevé, une feuille réduite à l’état de squelette graphique : nouvel effacement de l’artiste. C’est enfin dans un matériau grisâtre fait de journaux accumulés qu’Arnaud Bergeret a sculpté le Jeune Garçon, sans fioriture, et Il était une fois. La pierre des cimetières parisiens de Sandra Schmalz entre dans ces mêmes tonalités et le cadrage rigoureux et marqué, l’indifférence hasardeuse à la couleur du film polaroïd, la sérialité dans le traitement du thème, signalent également un retrait de l’artiste qui évacue tout pathos romantique. Quant à Antoine Miserey, l’ensemble ou presque de son travail vidéo baigne dans un gris-bleu qui rassemble dans une sorte de fondu enchaîné les ardoises, la pierre et le bitume parisien, et les plages normandes balayées par une mer grise, sous des ciels bas, lourds, et nuageux. Ce gris est la couleur d’une présence au monde, discrète, un peu mélancolique, qui risque l’effacement, mais sans laquelle aucune autre couleur ne pourrait resplendir. C’est le fond des choses, l’indistinct sur lequel le reste ressort, l’éminence nécessaire aux éclatantes entreprises.

« Ils ont dit des choses. »

A leur manière furtive. Ces artistes ont une conscience vive des temps révolutionnaires et des grands idéaux passés. Leur regard est tourné vers le XIXe siècle, l’anarchisme révolutionnaire, le socialisme utopique, le drapeau rouge non des maoïstes, mais de la Commune de Paris, dont le fantôme blanchi hante le travail de Sandra Aubry et Sébastien Bourg. Mythologies personnelles ? Jeune Création est sise sur la Butte Montmartre surmontée d’un Sacré-Cœur symbole d’expiation selon une lecture religieuse et fanatique de l’histoire que rappelle la Bible d’Arnaud Bergeret (Il était une fois),  pour cette colline qui a vu naître la Commune. Cette Commune, elle nourrit le travail d’Antoine Miserey, de sa vidéo Baisse d’existence (2009) centré sur le mur des Fédérés, à La Danse des Bombes : la course à rollers croise le square Louise Michel (75018), la rue Jean-Baptiste Clément (75018), communards, et Elysée Reclus, penseur anarchiste. Les photographies de Sandra Schmalz prennent place dans ces cimetières parisiens (dont le Père-Lachaise, Montmartre ou Montparnasse) construits au XIXe siècle et nourris de ses figures historiques. Estèla Alliaud dresse une barricade de cendres, lieu de mémoire des révolutions parisiennes (1789, 1830, 1848, 1870) et de leurs incendies, en nouvelle pétroleuse. Le Mea Culpa d’Arnaud Aimé, une Marianne inachevée, fait alors sens. C’est bien la République naissante (la IIIème) qui a massacré les Communards. Comment s’étonner alors que cette République idéalement libre, égalitaire et fraternelle ne soit pas finie, imparfaite, sur le dessin comme dans la réalité, puisqu’entachée de ce bain de sang originel doublé d’une repentance (« mea culpa est ») elle-même coupable ? Vieilles révolutions ? Ne voit-on pas aujourd’hui d’autres révolutions populaires risquer d’être confisquées par des forces conservatrices ?

Car La menace ne venait pas du ciel, ni des grandes idéologies, ni de dieu, et on la voit à peine, dit la quasi invisibilité de la gravure sur verre d’Aubry et Bourg. La menace est plutôt insinueuse, humaine et horizontale comme les strates du Jeune Garçon et de la Bible de Bergeret. Elle se répand dans les pages des journaux, créent des blocs massifs qui marquent (la Bible est marquée au fer rouge) les individus. Il faut donc défigurer le pouvoir médiatique, et c’est ce que fait Koerkel, et agir. L’idéal est celui d’une action furtive, discrète, inscrite dans un territoire, à coup de crayon graphite, de pointe à graver, de polaroïds, de cendres et de pellicule, de rollers et d’image numérique, de pliages. Il est aussi question d’agir en association. On leur souhaite de semer ailleurs ces discrètes et efficaces révolutions.

Emilie Bouvard

Sandra Aubry et Sébastien Bourg / Antoine Miserey

Arnaud Bergeret / Arnaud Aimé

Sandra Schmalz / Yves Koerkel

Estèla Alliaud

Communiqué de presse

Une proposition de Leïla Simon

Avec Cécile Hesse et Gaël Romier et Atsunobu Kohira

Du 8 au 18 novembre

Vernissage le mardi 8 novembre de 18h à 20h30

Drôle de Temps

Tout a commencé par cette fameuse réplique :

Louis Jouvet – Bizarre, bizarre…

Michel Simon - Qu’est-ce qu’il a ?

L. J.- Qui ?

M. S.- Votre couteau

L. J.- Comment ?

M. S.- Vous regardez votre couteau et vous dites «bizarre, bizarre», alors je croyais que…

L. J.- Moi, j’ai dit «bizarre, bizarre» ? Comme c’est étrange. Pourquoi aurais-je dit «bizarre, bizarre» ?

M. S.- Je vous assure, cher cousin, que vous avez dit «bizarre, bizarre».

L. J.- Moi, j’ai dit bizarre ? Comme c’est bizarre !

Cette réplique est extraite d’un film de Marcel Carné, Drôle de drame. Deux personnages se détestant respectueusement, incarnés par Michel Simon et Louis Jouvet, sont entrain de dîner. Le premier, mal à l’aise de mentir au second, crée des situations rocambolesques, que le second interprète comme étant la preuve de sa culpabilité. La méprise induite par la bizarrerie engendre une lecture tout autre de la réalité, d’un fait relativement banal.

Le point de départ de cette exposition est ce film, plus particulièrement cette réplique. Le fil de mes idées, mon cheminement m’en ont distancé tout en gardant l’empreinte, le goût de cette atmosphère, de ces impressions.

Le temps s’écoule ?… Le temps bruisse ! Il était une fois, un sablier qui donnait à entendre le temps, à l’écouter dans sa durée. Nous installant ainsi dans un espace sonore et visuel. Le temps est suspendu et se donne à entendre comme celui d’un paysage figé par la glace qui crisse.

Nous avons plaisir, en un court instant dilaté, à écouter le temps qui passe et pour renouveler l’expérience il suffit de (re)retourner Soundglass. Atsunobu Kohira nous dévoile la beauté de cet espace indéfini où paraissent se dérouler irréversiblement les existences dans leur changement.

Le temps est aussi suspendu dans les photographies de Cécile Hesse et Gaël Romier : Picnic à l’Ether, Pour le Meilleur et pour le Pire, Talons Epluchés. À la fois sages et violentes, rationnelles et irrationnelles, générant des atmosphères dans un univers réaliste mais détenant un supplément fictif aux regards de nos esprits fantasques.

Tout comme dans Soundglass, c’est le détail de ces artifices qui nous fait basculer de l’autre côté du miroir, ouvrant des échappées vers le rêve aux contours insaisissables, détricotant ainsi nos certitudes, interrogeant notre regard sur ce qu’il croit connaître. Ces œuvres redessinent le monde réel en déplaçant avec poésie la perception de celui-ci. Nous nous trouvons ainsi un rôle en tant qu’acteur dans le théâtre du quotidien en le nourrissant de nos fantasmes.

Leïla Simon

Cécile Hesse et Gaël Romier
http://www.kephyr.fr/

Atsunobu Kohira
http://atsunobukohira.wordpress.com/

Horaires d’ouverture
mercredi 9 novembre et jeudi 10 novembre de 14h à 20h
du vendredi 11 au vendredi 18 novembre de 14h à 19h (fermé le dimanche) ou sur rdv.
contact : leila.untitled@gmail.com / http://www.wix.com/leilasimon4/leilasimon

Galerie Jeune Création

24 rue Berthe 75018 Paris (Abbesses / Pigalle / Anvers)
01.42.54.76.36
Avec le soutien de la Mairie du 18e.

Une proposition de Fabienne Bideaud & Raphaële Mas

Avec Guillaume Aubry, Jean-François Leroy, Carine Bazin et Ann Guillaume

Du 10 octobre au 5 novembre 2011

Vernissages à 18h : Guillaume Aubry, 10 octobre / Jean-François Leroy, 17 octobre / Carine Bazin, 24 octobre / Ann Guillaume, 31 octobre.

MÈTRE CARRÉ

Superficie, espace, dimension, formule mathématique, grandeur, coût, aménagement, occupation, situation, appropriation ; autant de mots pour définir cette notion de « mètres carrés ». Système de mesure d’une surface, il est aujourd’hui un nombre de valeur, le baromètre du statut social. Prenons l’exemple de Paris. Elle est actuellement une ville très chère dans laquelle acquérir ou tout simplement louer un espace est difficile. Dans cette jungle immobilière, comment un jeune artiste peut-il travailler sans avoir d’atelier? Quelles méthodes doit-il mettre en place pour produire?

Gilbert & George, duo d’artistes britanniques, se sont retrouvés sans atelier à la sortie de l’école des beaux-arts et expliquent dans un entretien avec Jean-Hubert Martin que leurs « personnes » étaient devenues leur espace de création : « En sortant de l’école, nous nous sommes trouvés sans rien : sans atelier, sans matériaux et sans argent. […] Il ne nous restait que nous-mêmes et nous étions par conséquent des objets. Alors on pourrait dire que nous sommes devenus des sculptures vivantes tout naturellement, par la force des choses. […] Si nous avions eu des ateliers, nous aurions fait d’autres choses[1]. » Cette contrainte pousse les artistes à réfléchir sur leur pratique et, sans être aussi radical que le duo Gilbert & George, certains choisissent la solution de faire de l’espace d’exposition leur atelier pour un temps donné. Ce processus de travail réduit alors le temps de conception, tandis que l’expérimentation devient presque synonyme de résultat. Espace d’atelier / espace d’exposition ne font dès lors plus qu’un, l’appropriation du lieu devient expérimentale et la production « in situ ».

La question de l’atelier, dans son espace physique et mental, a beaucoup été abordée depuis les années 1960, approchant le travail d’un artiste dans ses recherches et ses questionnements les plus personnels mais aussi dans l’expérimentation d’un espace de production. MÈTRE CARRÉ prend la tangente tout en poursuivant cette réflexion ; s’appuyant sur une production issue non pas d’un espace d’expérimentation personnel et privé, mais d’un atelier temporaire duquel résulte une production conçue pour le lieu. Le processus de création se déroule dans un temps imparti qui oblige l’artiste à élaborer sa propre stratégie de production. Si certains choisissent ce mode de fonctionnement délibérément lié à leur pratique, d’autres le conçoivent comme une activité temporaire.

Pour explorer cette question de l’atelier-espace d’exposition, nous avons invité quatre artistes travaillant à Paris à venir investir l’espace de la galerie Jeune création. Ils travaillent de lieu en lieu, avec des formats plus ou moins grands selon l’espace, toujours dans une durée limitée.

Guillaume Aubry s’insère dans un espace, telle une virgule dans une phrase. Ne pas avoir d’atelier est le dogme de sa pratique et sa production est toujours relative à l’espace d’exposition.

Les trois sœurs, installation trois souris blanches, livre « les trois soeurs » d’Anton Tchekhov, Exposition, Plutôt que rien: démontage, commissariat Raphaëlle Jeune, Maison populaire de Montreuil, février 2010

Les trois soeurs (détail) / Péplum, workshop in-situ avec les étudiants de l’ENBA Bourges, Panorama 2010, novembre 2010

Carine Bazin capture des surfaces, des traces, des objets qu’elle collecte puis qu’elle réutilise dans des formats et médias différents au travers de gestes simples et concrets, percevant l’espace à la fois comme un lieu de mémoire et de vie.

Sans titre, novembre 2010

Sans titre, mai 2010

Ann Guillaume « creuse » l’espace dans ses couches temporelles, son histoire, et en fait rejaillir ses spécificités. Regard d’expert sur le passé, elle l’active, crée un décalage en lui proposant une modernité.

Argile, Argile et  Plâtre, 110 x 15 cm et dimensions variables, 2011, courtesy de l’artiste.

« Toute fabrication est un dialogue entre le fabriquant et la matière » (A. Leroi-Gourhan, Le geste et la parole vol. 2, 1965)

Quales Lapides / quales Structurae, Impression sur PVC 2mm, 2 m 9 7 cm x 2 m 33 cm, 2009,  courtesy de l’artiste

 / Fragments de Rails en céramique, 100 cm x 6 cm x 4 cm et dimensions variables, 2010, courtesy de l’artiste

Quant à Jean-François Leroy, il aménage l’espace de ses sculptures faites de matériaux industriels (mdf, peinture industrielle, etc.) à la limite de l’abstraction, qu’il reprend, transforme, jouant sur la deuxième et troisième dimension. Chaque pièce est potentiellement utilisable à l’infini, les formes sont mouvantes et toujours sujettes à une nouvelle proposition.

Bureau des chutes n°5, 2010, moquette, placoplâtre, peinture acrylique, tréteau, Courtesy galerie Bertrand Grimont et l’artiste

Bureau d’étude, 2009, bois peinture, acrylique, néon / Vue d’atelier, 2009, tirage numérique sur papier mat, Courtesy galerie Bertrand Grimont et l’artiste. Images Jean-François Leroy

MÈTRE CARRÉ est un projet qui propose aux artistes de se succéder une semaine après l’autre afin d’avoir la possibilité d’investir pleinement le lieu et de se l’approprier personnellement. Tel un fil rouge, l’espace se transmet d’un artiste à l’autre qui se ponctue par le vernissage de chaque interprétation. Le dispositif de cette exposition raconte l’histoire d’une rencontre entre quatre artistes. Faussement collective et conçue par strates, MÈTRE CARRÉ propose un mode d’utilisation ouvert où l’artiste peut imposer ou choisir de garder un ou des éléments de l’exposition précédente. La lecture des oeuvres se voit ainsi modifiée par la pollution d’objets venant créer un nouveau récit. Cette déconstruction nous échappe pour laisser une place au hasard. Si bien que MÈTRE CARRÉ devient une plateforme en mouvement constant suscitant des questions chaque fois renouvelées.

Une publication unifie cette expérience en regroupant des esquisses et proposant une interview entre les artistes et les curatrices.

Une proposition duCygne

Elisabeth Czihak – Florimond Dupont – Ben Sandler

Du 9 septembre au 8 octobre

Vernissage le jeudi 8 septembre à partir de 18h

Nuit Blanche samedi 1er octobre jusqu’à 2h / projet associé parcours Montmartre-Anvers

Prochaine exposition à la galerie: MÈTRE CARRÉ, du 10 octobre au 5 novembre

Florimond Dupont – Extrait de Random Memory, 2010, vidéo, 12 min.

S’introduire dans un chantier en pause la nuit, déambuler à travers une ville désertifiée à cause de la crise, porter une attention rigoureuse aux sites abandonnés …

Ces démarches semblent s’inscrire dans la continuité de celles des fameux explorateurs urbains dont l’activité favorite consiste à franchir les portes fermées des lieux désactivés. Ces « explos » clandestines prolifèrent depuis les années 90, guidées par une « philosophie » pensée par Jeff Chapman, allias Ninjalicious, considéré comme le « père » de l’Urbex, autrement connu sous le nom de Reality hacking. Ninjalicious diffuse les fondements  de l’éthique de l’exploration urbaine à partir de 1996 par le biais du fanzine Infiltration : the zine about going places you’re not supposed to go. Les textes « No Disclaimer » ou « Warning signs, a guide to ignoring them » annoncent la couleur de ces investigations.

L’Urbex se définit en général  comme le fait de recueillir des données sur des zones publiques du paysage urbain, délaissées tout ou partie du temps, en vue d’y accéder pour les découvrir. Cette  pratique conduit très souvent ses adeptes à la photographie, en mémoire de leurs excursions. Des photos-souvenirs qu’on ne sait comment qualifier pour être dans le juste, entre le document et l’art.

Sans appartenir à cette mouvance, du moins ne se revendiquant pas comme tel, Florimond Dupont, Ben Sandler et Elisabeth Czihak intègrent à leur démarche artistique l’exploration de lieux désactivés, fermés au public ou fatalement voués à une clôture imminente. Ils les utilisent alors comme matière de travail.

Florimond Dupont investit, le temps d’une nuit, un chantier en pause. Ce dernier devient atelier, studio, décor. Le chantier de réhabilitation est une phase de transition pour un espace entre deux vies. Les restes de son histoire passée sont encore présents mais rassemblés en tas, prêts à être évacués pour faire place aux nouveaux aménagements. Florimond utilise ce « résidu d’espace » comme matière sculpturale qu’il modèle exclusivement à la lumière des néons de chantier récupérés sur place. Il en fait l’objet d’un film, le sujet principal d’une fiction, Random Memory.

La scène d’investigation privilégiée d’Elisabeth Czihak est celle de l’abandon. Elle semble établir au cours de ces visites un état des lieux documenté à la photographie. De l’observation des particularités graphiques de ces lieux délaissés émane également des dessins, sortes de relevés d’empreintes témoignant du manque d’attention portée à ces derniers. La nature reprend le dessus sur la construction humaine.

Elisabeth Czihak – Altrosa, 2008, photographie – Courtesy galerie ma collection.

Les pérégrinations de Ben Sandler l’amènent sur d’autres terrains. Il s’intéresse, lui, au processus qui mène à la désaffection d’un lieu. Il infiltre la scène juste avant la fin de l’histoire. En août 2010, il se rend à Phoenix, en Arizona. La crise économique et immobilière a frappé d’un grand cou cette ville pourtant prospère jusqu’alors. Les commerces, les parcs d’attractions, les bureaux et les habitations sont désertés par leurs propriétaires. Récupérés par les banques, c’est le temps incertain de la dernière chance. Bienvenue dans les limbes.

Ben Sandler, photographie de la série In Limbo, 2010.

Ironie du sort peut-être, les artistes présentés vouent un intérêt tout particulier à ces espaces « désaffectionnés », désaffectés. « Fermé au public », une exposition de l’affection pour des lieux de désaffectation.

Mardi-samedi 11h-18h

Nocturne Nuit Blanche samedi 1^er octobre jusqu’à 2h

Rencontre le jeudi 15 septembre, Le Bateau Lavoir, 19h

Galerie Jeune Création

24 rue Berthe 75018 Paris (Abbesses / Pigalle / Anvers)
01.42.54.76.36
Avec le soutien de la Mairie du 18e.

Une proposition de Jean-Jacques Dumont et Christian Globensky

Du 8 juillet au 5 août

Vernissage le jeudi 7 juillet à partir de 18h

Du mardi au samedi de 11h-18h

Partant de l’idée que le « local » se confronte toujours au « global », que la mondialisation contemporaine se mesure et se qualifie à l’aune de la sphère privée, on considèrera cette exposition comme une invitation à reconsidérer son mode de vie individuel, afin qu’il s’inscrive dans une perspective globale. « Un X Deux » : c’est aussi une pratique de l’objet et de l’installation développée par deux artistes ayant en commun d’explorer et d’interroger l’exercice de notre citoyenneté confrontée aux systèmes de représentation et de communication à travers de multiples dysfonctionnements usuels. On considérera donc l’exposition comme une installation d’objets toujours à l’échelle du corps, et toujours en quête d’une fonction imaginaire, le tout orchestrant un programme de redétermination du sens.

C’est ainsi tout un ensemble de postures d’artiste citoyen, de passeur d’opinions, qui est à l’œuvre dans cette exposition à quatre mains, que l’on pourra voir dans un premier temps tel un catalogue d’outillage incongru qui déjoue les règles de la fonctionnalité, de la rationalité et du sens commun. Invité à la métaphore d’une manipulation (poignée, niveau, serre-joint), manipulation d’objets le plus souvent à l’échelle de la main, on se confronte à l’image de notre domestication, de notre rapport au monde. Le spectateur se mesure donc à lui-même par objets interposés, de même que l’apparition de la vidéo dans la structure du message télévisé (pub, clip, spot) souligne la volonté de nos deux artistes de créer ensemble un projet où s’articulent dans un va et vient, règles définies et pertes de contrôle programmées.

————-

« L’implication physique du corps est vraisemblablement la manière la plus prompte à conscientiser le spectateur. Ce principe est mis en exergue par le caractère préhensible des objets présentés à l’échelle de la main, offerts métaphoriquement et physiquement à la manipulation. Épousant l’arrondi du mur de la galerie, face à l’entrée, Miroir poignées convexe de Christian Globensky, version de ses Miroir poignées conçue pour cette exposition, se veut comme une mise en pratique d’une illusion conceptuelle, celle d’avoir prise sur les choses, à travers une illusion perceptuelle. Au centre du miroir dans lequel le spectateur se reflète, deux grandes poignées verticales s’offrent au saisissement à la fois manuel et illusoire d’un artefact du monde, car ce que les mains saisissent à travers les poignées ne sera jamais autre chose qu’un simple reflet. Dans un coin de la galerie, à hauteur d’homme, deux marteaux sont chacun cloués ironiquement au mur par une grosse pointe dans un jeu de symétrie qui assure la défonctionnalisation de l’outil rendu à un statut décoratif. Qui plus est, l’improbabilité de l’accrochage repose sur une illusion matérielle : l’objet habituellement fabriqué dans des matériaux résistant à toute épreuve est ici réalisé en papier. La charge ironique du « cloueur » cloué se double d’une charge critique. Travaillant sur le multiple, Jean-Jacques Dumont propose en effet un kit de marteau en papier à monter soi-même et à utiliser à bon escient. Cependant, que faire d’un marteau en papier dont la fragilité ne peut permettre de remplir la fonction initiale de l’objet ? C’est que ce marteau a valeur de symbole. Par ce dispositif performatif, l’artiste convie en effet le spectateur à se forger lui-même ses propres outils d’analyse critique du monde, à élaborer ” une philosophie à coup de marteau ” »

Extrait de l’article de Perin Emel Yavuz, Un X Deux.

Les œuvres citées :

— Jean-Jacques Dumont, C’est possible / It’s possible - Un marteau pour tout casser !, 2010, marteau en papier et clou, chaque 29 x 8,8 x 3 cm. Réalisé à partir de l’édition « Poster à colorier et à découper ! », impression offset papier couché mat 135gr, deuxième édition 500 exemplaires, 59,4 x 42 cm, avec flyer mode d’emploi en français & anglais 15 x 10 cm.

— Jean-Jacques Dumont, Tilt, 2008-2010, extrait de la série « Les fantômes », lampes électroluminescentes, programmateur, papier, paperboard, 85 x 92 x 185 cm.

— Jean-Jacques Dumont, En dessous, 2011, niveau en aluminium perforé, graphite, 220 x 10 x 2 cm.

— Christian Globensky, Miroir poignées convexe, miroir, poignées, bois,116 x 80 x 20 cm.

— Christian Globensky, L’Image tue, deux paquets de cigarettes modifiés sur cadre, extrait d’une édition de 50 paquets modifiés, numérotés et signés, 29 x 24 x 5 cm.

— Christian Globensky, Mines sous-marines, 2011, serre-joints, cubes de plexiglas, dimensions variables.

Galerie Jeune Création
24 rue Berthe 75018 Paris (Abbesses / Pigalle / Anvers)
01.42.54.76.36
Avec le soutien de la Mairie du 18e.

Une proposition de Cyril Zarcone

Du 10 juin au 2 juillet
Vernissage le jeudi 9 à partir de 18h
Du mardi au samedi de 11h-18h

Galerie Jeune Création
24 rue Berthe 75018 Paris (Abbesses / Pigalle / Anvers)
01.42.54.76.36
Avec le soutien de la Mairie du 18e.

David Morin et Neil Webb

Vernissage le jeudi 21 avril à 18h avec performance sonore
Exposition du 22 avril au 7 mai 2011
Du mardi au samedi de 11h-18h

L’exposition « Wired Above » est une installation sonore multi diffusion produite par les artistes David Morin et Neil Webb.
La pièce se compose de sons accidentels ou cachés de notre environnement qui, le plus souvent, ne sont pas remarqués ou imperceptibles.
David Morin et Neil Webb sont à la recherche de nouveaux paysages sonores, et prêtent l’oreille aux sons qui reflètent l’activité naturelle ou artificielle.
Le son des câbles à haute tension se mêle avec les courants marins et allées venues de chauves-souris.

www.davidmorin.org

www.neilwebb.com

Cette exposition reçoit le soutien de

http://www.shu.ac.uk/

Galerie Jeune Création
24 rue Berthe 75018 Paris (Abbesses / Pigalle / Anvers)
01.42.54.76.36
info@jeunecreation.org

Avec le soutien de la Mairie du 18e.

« Eye of the Storm »
Per Svensson et Duncan Nilsson-Pinhas

Vernissage le mardi 15 février à 18h
Exposition du 16 février au 5 mars
Du mardi au samedi de 11h-18h

Le projet « Eye of the Storm » traite de la fascination qu’exercent sur l’homme les phénomènes naturels basés sur le cycle et les courants.

Avec une approche à la fois sonore et visuelle, Per Svensson et Duncan Nilsson-Pinhas nous proposent un travail sur la visualisation du son et l’oscillation des ondes sonores en relation avec les forces de la nature.

La vidéo, le son et l’installation permettent aux artistes de retranscrire la matière enregistrée en extérieur en confrontation avec les éléments naturels (la mer, le vent…).
Les œuvres invitent le spectateur à un voyage au cœur de paysages invisibles et proposent une mise en scène des outils de captation utilisés par les artistes.

Le projet « Eye of the Storm » est pluridisciplinaire et également performatif.

« Eye of the Storm » a joué à la soirée Non jazz, organisateur de concerts de musiques improvisées et expérimentales, le 22 janvier au Générateur à Gentilly. Per et Duncan ont créé un vrai groupe de scène recréant silence et fureur des vents. Le groupe a joué des sons d’environnements et malaxé des matières faisant écho aux mouvements d’étricules, de magma, aux esprits perdus dans le large.

Deux autres performances visuelles et sonores sont programmées à Paris : le 8 Février à la Cité Internationale des Arts et le 19 février pour l’événement IRL au Centre Mercoeur. Per et Duncan proposeront également un concert performatif à Poitiers le 12 Février.

“Per Svensson, originaire de Göteborg, est depuis longtemps un des artistes prédominants de Suède. La somme de ses oeuvres est à la fois longue et multidisciplinaire: peinture, sculpture ainsi que son, performance et installation. Ses travaux ont été exposés au L.A.C.E. à Los Angeles, à Heliosturm à Cologne, au Musée d’Art Moderne à Stockholm, au Musée d’Art de Göteborg et au Musée National de Lusaka, Zambie. L’Art de Per Svensson décrit souvent l’Inconnu, l’alchimie, les sciences occultes et les enjeux écologiques entre l’homme et la nature. Il fait des recherches sur ces sujets avec la précision d’un artiste et le résultat est souvent des installations audiovisuelles frappantes et poétiques”
Joachim Norwall et Henrik Rylander, curators de BOTANIC SOUNDS

http://www.persvenssonsoundart.com

Duncan Nilsson-Pinhas, né à Lund – Suède, enchaîne depuis 2005 albums solo, pièces sonores, concerts, collaborations et projets audiovisuels dans des domaines aussi variés que l’ambient, le blues, la noise, l’electro-acoustique, l’interaction image/son dans les arts numériques, la sonorisation d’exposition et la composition de musique de films.
Ses travaux récents et projets audiovisuels (GEO) sont basés sur l’énergie et le mystère des éléments naturels et leur confrontation avec le monde industriel.

www.myspace.com/duncanpinhas

Jeune Création présente, en partenariat avec la Mairie du 18e

Christophe Herreros, Prix Jeune Création 2010 et Julie Chaumette, Prix Boesner 2010

Vernissage le jeudi 13 janvier 18h

Exposition du 14 janvier au 5 février 2011

Mardi-samedi 11h-18h

GALERIE JEUNE CRÉATION
24 rue Berthe
75018 Paris
M° Abbesses (ligne 12) / Anvers ou Pigalle (ligne 2)
01 42 54 76 36
info@jeunecreation.org

JEUNE CRÉATION DÉMÉNAGE!

Ouverture du nouveau lieu avec:

Mariano Angelotti, Sandra Aubry, Gabriel Hernandez, Jean-Christophe Kerourédan,
Sylviane Masson, Antoine Miserey, Siegfried Zeller.

Vernissage le 9 décembre à partir de 18h
Exposition du 10 au 23 décembre 2010
Mardi-samedi 11h-18h

GALERIE JEUNE CRÉATION
24 rue Berthe
75018 Paris
M° Abbesses (ligne 12) / Anvers ou Pigalle (ligne 2)
01 42 54 76 36
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